Art History of Spain Final

Cenotafio de los Reyes Católicos

Location:Granada; Capilla Real

Siglo 16(XVI)

Renacimiento-escultura funerario

By Domenico Fancelli

Cama sepulcral con las esculturas - reflejan un idealismo cercano al genero del retrato

Marmol blanco

Figuras sedentes de los 4 doctores de la iglesia latina-Sam Ambrosio, San Agustín, San Jeronimo, San Gregorio

4 grifos en las equinas del piso inferiorr del cenotafio

Medallones y guirnaldas(motivo ornamental)

Medallones: se sitúan en cada una de las cuatro pendientes del cenotafio

Bautismo, ascensión, san jorge y el dragón y santiago matamoros

Representan: la vida de Jesús (natividad, oración del huerto, epifanía, descendimiento)

Leones a los pies de los cuerpos

Los 4 patrones de los soberanos - santos cristianos

Sátiros y “putto” = son el grupo de amigos de barco del rey del vino

LA CRIPTA = sarcófagos de plomo y cobre, de los RRCC, del infante miguel = parte funerario de cenotafio de los reyes católicos

Retablo de la Capilla Real

Location:Granada; Capilla Real

Siglo 16

Renacimiento y gotico

Un retablo

By Felipe Bigarny

• Obra del borgoñón felipe bigarny (1520-1522)

• Ordenamiento gótico en sus pisos y calles y encuadre de las escenas con grandes figuras

• Los pisos se separan por entablamentos con frisos de querubines

• Las calles por columnas abalaustradas

• Se remata con la paloma (espíritu santo) y encima dios creador

• En los detalles - san juan bautista y san juan evangalista

• Sotabanco retablo mayor 

• moriscos/moriscas se convierten a cristianos de musulmanos 

• Martirios de los santos juanes, en el primer piso del retablo y ejercicios de los Santos en el banco

• A los lados = las esculturas orantes de los RRCC

• Detrás de las esculturas, los relieves de “santiago matamoros” y “san jorge y el dragón”

• La corono de la reina isabel** - está en la catedral 

• Retablo del Museo - destaca el “tríptico de la pasion”

  • Pinturas de pedro machuca

• Esculturas de Isabel y Fernando de Felipe Bigarny 

Fachada principal de Catedral de Granada

Arte Barroco

Siglo 17

By Alonso Cano

In Granada

Arquitectura

• Sensación de movimiento 

• Ovegos de luces (claroscuro)

• Arco de triunfo → 3 calles / 2 acturas 

• Caprichoso (no capitales, si medallones - *pilastrones)

  • Los pilastrones nos referancias a los evangelitas 

  • Marcos, juan, lucas, mateo

• Efectos pictóricos (pintura)

• Placas recortadas

• Medallón de relieve que representa la anunciación 

• S pedro / s pablo / medallon (anunciación)

• Escultura (antiguo, nuevo testamento)

• two sides represent new and old testament

• Jarrón de azucena / concha o venera

• guirnalda / pínaculos (pino)

Estructura: Presenta tres grandes arcos artesonados que recuerdan a los arcos de triunfo romanos, sostenidos por enormes pilastras corintias.

Materiales: Utiliza tonos contrastantes de mármol y piedra para lograr un efecto visual impactante.

Escultura e iconografía:

Estatuas de San Pedro y San Pablo flanquean la entrada.

Bustos de Adán y Eva aparecen en las jambas de los arcos.

Un relieve central muestra la Asunción de la Virgen María.

Pinturas de José Risueño en el ático representan a Santiago Apóstol y San Cecilio.

Simbolismo: Toda la fachada narra una historia de salvación, centrándose en la Encarnación, con elementos que apuntan a la dedicación de la catedral a Nuestra Señora de la Encarnación.

Inmaculada De Catedral de Granada

Arte Barroco

Siglo 17

By Alonso Cano

In Granada

Escultura barocca

• Sin mancha/madera

• Policromada (tunica = blanca)

• Manto = azul - pureza/gloria

• Pedestal (querubines)

• Virgen orante (rezando) / asimetrica 

• Luz (claroscuro - strong use of contrast between light and dark), sensación de movimiento

• Belleza ideal (serenidad, tranquilidad, dulzura)

• Forma oval (huevo) / diagonal (manto)

• Pelo mojado / cara de niña (adolescente)

• Juegos lumínicos (luces) / virgen del facistol 

Encarnación De Catedral de Granada

Arte Barroco

Siglo 17

By Alonso Cano

In Granada

Pintura

• Parte de un Serie “gozos de maría” o la historia de la vida virgen

• Luz (claroscuro) / sensación de movimiento / teatralidad (teatro)

• Escenificación 

• Diagonales (líneas oblicuas)

• Anunciacion does not equal encarnacoin 

• Arcancez sangabriel 

• **luz, espírito, santo

• Perspectiva veneciana

• 35 m altura

• Angelopes, querubines 

• Rompimiento - gloria cielo 

• Otros ejemplos: fachada catedral, inmaculada 

• Para este acontecimiento central en la historia de la salvación (Lc 1,14-38) crea Alonso Cano una iconografía y un tratamiento estético completamente nuevos, dotando a la escena de gran originalidad teológica. Gabriel, el arcángel revelador, no cobija, ni alberga, ni protege; con sus alas abatidas ya no anuncia, adora. El Espíritu no es paloma; es luz. Y, desde entonces, la palabra y la luz acampan entre nosotros recibiendo todos de su plenitud gracia sobre gracia (Jn 1,16). Soy la servidora del Señor. Cúmplase en mí tu palabra.

Cristo de San Plácido

Velasquez

Siglo 17

Museo del Prado, Madrid

Pintura Barocca

• Cristo de tamaño natural (convento de S. Placido)

• Influencia de su maestro y suegro, el tratadista y pintor Francisco Pacheco, en la cruz, sujeto con 4 claves/cartela en hebreo, griego y latín

• E naturaleza apolínea/contrapposto 

• Jesús está muerto - su posición del cuerpo y la luz en la cabeza

• Tiene el paño de pureza o perizoma 

• *contraposicion 

• Supedáneo: peana, estribo o apoyo

• Esta pintura fue realizada para el convento madrileño de San Plácido, un encargo religioso importante que exigía una representación solemne y devocional.

• El cuadro muestra a Cristo ya muerto en la cruz, con la cabeza inclinada hacia un costado y el cuerpo ligeramente desplazado hacia la izquierda. La anatomía es extremadamente precisa: Velázquez estudió el cuerpo humano y la caída del peso en la crucifixión para lograr un realismo notable.
  El fondo oscuro sin elementos extras ayuda a centrar toda la atención en la figura, creando un clima espiritual silencioso.

• La piel de Cristo está tratada con tonos suaves y naturales; el artista evitó exagerar las heridas, buscando transmitir más serenidad que dramatismo.

• La iluminación es clave: entra desde un punto lateral y resalta el torso, los músculos y la expresión serena del rostro. Esta técnica crea una atmósfera íntima, casi meditativa.

• Este Cristo está inspirado en modelos sevillanos del barroco temprano, pero Velázquez lo convierte en algo propio, más sobrio, naturalista y menos teatral que otros crucificados barrocos españoles.

• Fue muy admirado en su tiempo; hoy es un ejemplo de la madurez técnica y espiritual del artista.

*emphasize realism

Las Meninas/la Famila de Felipe IV

Velasquez

Siglo 17

Museo del Prado, Madrid

Barroco

Pintura

• Mejor ejemplo - luz y color pueden configurar formas, espacio, belleza, y realidad

• Perfecta composición - es una manifestación 

• Figuras están situadas en una sucesión de planos en profundidad

  • La ilusión óptica de un espacio verosímil (plausible) 

• Recursos barracos usados = retrato cortesano, autorretrato, el cuadro y el espejo dentro del cuadro

• Hay luz estilística - si y no

• Muchas hipótesis que está en la pintura que la gente no puede ver (a la izquierda) 

  • El espejo - lo que no se ve

Las Hilanderas/La fábula dd Aracne

Velasquez

Siglo 17

Museo del Prado, Madrid

Barroco

Pintura

• Historia sacada de la metamorfosis de ovidio

• Lineas diagonales 

  • Una luz direccional - es una luz estilística; una de los protagonistas

• Perspectiva 

• Inspirada en la madrileña fábrica de tapices de Sta. Isabel

• Tenemos un gato - actor secundario en segundo lugar

• Dos niveles entre la pintura de las escalares - en el fondo hay un otra tierra

• Mitologico 

• La rueda está en movimiento

• Muestra los efectos de la distancia y la corporeidad de las formas, con un perfecto uso de los planes lumínicos 

• En el fondo - la viola representa la música como antídoto tradicional

• *dos temas importantes

  • Tema del impresionismo 

  • La rueca está en movimiento (a la izquierda) que es similar al ejemplo de la bicicleta en movimiento y cómo ver la rueda 

  • La rueda = wheel, la rueca = spinning wheel

  • Tema de la aracne 

  • Todas son mujeres en el fondo

  • Presencialmente están allí

  • La pintura en el fondo = “el rapto de europa” 

Las Lanzas/La Rendición de Breda

Velasquez

Siglo 17

Museo del Prado, Madrid

Barroco

Pintura

• Honrar al vencido es una acción que dignamente el que es noble vencedor al que es vencido le debe

• Ser vencido no es afrenta; luego no fuera prudente acuerdo 

• Armas, cajas, banderas - se concede la victoria

• **learn the story 

• Perspectiva a area

• La lanza = the spear

• Encuentro con elegancia y generosidad

• Disposición circular de estas figuras, el escorzo del caballo, planos paralelos, diagonales de la lanza de la izquierda, bandera de la derecha

• Paisaje (verdes y azules) consigue efectos de profundidad 

Los desastres de la Guerra

Fransisco de Goya

Siglo 19

Museo del Prado, Madrid

Pintura Neoclásico

El 3 de mayo/Los fusilamientos de la Moncloa

Fransisco de Goya

Siglo 19

Museo del Prado, Madrid

Pintura Neoclásico

• Esta obra as para los ciudadanos → el color es la realidad

• Muestra que goya es patriota español

• Primeras horas de la dia 

• El fondo = madrid

• Pelotón de fusilamiento → no se las ve la cara del ejercito para goya

  • Los soldados franceses no tiene culpa, es napoleón que tiene culpa

• No hay luz estilística - farol de pie

• Senor de rodilla = camisola blanco = simbolo de paz, amarillo pantalones 

  • Blanco y amarillo - bandera del ciudad del papa

  • Orante, sabe que va a morir - mirando al suelo

  • Sangre rojo y pantalones amarillo - bandera nacional 

• Género de historia ; realismo

• Expresionismo en las cavas -> exageración 

• Horas antes de esta - franceses entraron madrid para capturar francisco de paula, madrileños defendieron madrid, napoleon mando un ejército profesional para luchar 

Saturno devorando a sus hijos

Fransisco de Goya

Siglo 19

Museo del Prado, Madrid

Pintura Neoclásico

• Forma parte de las Pinturas Negras, un conjunto de obras que Goya pintó directamente en las paredes de su casa, en un momento de enfermedad, aislamiento y pesimismo.

• Representa al dios Saturno devorando a su hijo para evitar que lo destronara, pero Goya interpreta el mito de manera violenta y profundamente humana.

• La figura aparece en un fondo oscuro, con un cuerpo demacrado y ojos desorbitados que transmiten locura y desesperación.

• Los colores son oscuros y la pincelada es rápida y expresiva, creando una atmósfera de angustia.

• Es una de las imágenes más impactantes del arte europeo y un símbolo del lado oscuro de la condición humana.

La familia de Carlos IV

Fransisco de Goya

Siglo 19

Museo del Prado, Madrid

Pintura Neoclásico

• Descripcion:

  • Realismo

  • Retrato en grupo/cortesano

  • Objeto de arte caras muestran personalidad 

  • niños como protagonista

  • Escena desarrollado en taller del pintor

  • Retrato fotográfico → fijemos en los rostros y caras

  • Nino en el centro separa el rey y reina para mostrar que la reina es infiel y el hijo no es del rey

  • Reina en el centro = importancia 

  • Comynicar entre protagonista + viewer - interactivo

  • Autovetrato en 2nd plano

  • Goya era el pintor favorito de la reina

  • El realismo de goya era muy verdadero - todos parecieron a la realidad

Puerta de Alcala

Madrid

Siglo 18

Francisco Sabatini

Arquitectura Neoclassica

• Inspirador en el ideal romano para el embellecimiento urbanístico de madrid

• Arco de triunfo (5 vanos o luces): exaltación del poder y la autoridad que da la bienvenida al viajero por el este

• Tiene dos diseños - los dos lados

• Tiene pilastras, columnas de orden …

• La decoración guirnalda en las puertas a fines del monumento  

• Otro elemento barroco = cuerno de la abundancia y en el interior tiene productos, frutas??

  • Cornucopia 

Description: Su carácter monumental formaba parte del

deseo de Carlos III de proporcionar a la ciudad unos accesos dignos. La puerta, compuesta por cinco vanos, tiene tres huecos centrales abovedados y dos extremos adintelados, dando la bienvenida al viajero que entra a la ciudad por el Este. Lleva columnas adosadas y corona la puerta con decoración de armaduras, orlas y escudos típicamente barrocos. Su forma abierta es testimonio de los nuevos tiempos, inspirados en el ideal romano de embellecimiento urbanístico.

Museo Del Prado

Madrid-Paseo del Prado en el llamado Triangulo del Arte

Juan de Villanueva

Siglo 18

Arquitectura neoclasico

Description: Dominado por un concepto de equilibrio y armonía (uso alternativo de la piedra y el ladrillo) se basa en la utilización del orden dóricotoscano. La disposición de su planta rectangular es de extraordinaria claridad y racionalismo distributivo. En torno a un eje central que termina en los dos grandes cuerpos cuadrados de los extremos o pabellones laterales, crea fuertes contrastes luminosos -luces y sombras—. Su interior se compone de cinco grandes cuerpos entrelazados. El Norte se traspasa por un pórtico con dos columnas jónicas entre pilastras del mismo orden. El cuerpo Sur se adelanta dividido en dos partes horizontalmente: la inferior de piedra maciza con sólo cuatro pequeños huecos y la superior con pórtico hexástilo de orden corintio.

• Principal museo de pintura europea (s. XII–XIX).
  
  

• Fuerte presencia de:
  
  

  • Escuela española: Velázquez, Goya, Ribera, Murillo, Zurbarán.
    
    

  • Escuela flamenca: Rubens, Van der Weyden, El Bosco.
    
    

  • Escuela italiana: Tiziano, Tintoretto, Rafael, Fra Angelico, Caravaggio.
    
    

  • Escuela francesa: Poussin, Claude Lorrain.
    
    

Cronología:

• Fundado en 1819 como Real Museo de Pintura y Escultura.
  
  

• Abierto al público el 19 de noviembre de 1819.
  
  

• Ampliado en los siglos XX y XXI (edificio Villanueva, ampliación Moneo 2007).
  
  

Autor / Arquitecto:

• Diseñado por Juan de Villanueva (1785) por orden del rey Carlos III.
  
  

• Originalmente concebido para ser el Gabinete de Ciencias Naturales.

Descripcion:

• El Museo del Prado es considerado uno de los grandes museos del mundo, especialmente por su extraordinaria colección de pintura de los siglos XVI al XIX.

• Su núcleo inicial proviene de la Colección Real española, acumulada durante siglos por los monarcas de las dinastías Habsburgo y Borbón.

• A lo largo del tiempo, el museo ha reunido obras maestras excepcionales, muchas de las cuales tienen un valor histórico incalculable, ya que formaron parte de palacios reales, monasterios, encargos religiosos y colecciones aristocráticas.

• El edificio principal, diseñado por Villanueva, mezcla elegancia neoclásica, proporciones armónicas y funcionalidad museística. Sus salas altas y bien iluminadas fueron pensadas inicialmente para exponer ciencias naturales, pero resultaron ideales para la exhibición artística.

Casa Batllo

Barcelona

Arquitectura modernismo

Siglo 20

Antonio Gaudi

• Descripcion:

  • Reforma de un edificio anterior

  • La fachada alabeada (se ondula suavemente) con trencadís (meaning a mosaic technique using tiles) y discos cerámicos 

  • Balcones - antifaz de hierro

  • Antifaz - delante cara

  • La fachada se corona con un cuerpo sinuoso, recubierto con cerámica, que recuerda la cola de un dragón

  • Chimenea orgánica rematada con una cruz de cuatro brazos

  • Buhardilla interior con arcos parabólicos

  • Historia: fue una casa residential para el industrial Josep Batlló

    • Quería una declaración con su diseño y encargado a Gaudí

  • Diferentes niveles/planzas del casa son de diferentes personas (como familia y mujeres)

    • De la clase social

  • Tribuna o mirador que se corresponde con la planta del propietario con soportes óseos

  • Interiores (chimenea) decorados por Gaudí

Casa Mila

Siglo 20

BArcelona

Antonio Gaudi

Arquitcetura modernista

• Se construye para la misma razón de Casa Batlló después del éxito de casa batlló 

  • Para la familia milá - quería una casa único para su familia  

  • Porque la pedrera? Porque parece una montaña

• Descripción:

  • Conocida por la Pedrera, por su forma de cantera

  • La fachada, de piedra caliza (limestone) , es una aventura de curvas y formas naturales

  • La piedra parece que tiembla de la mano de Gaudí. Es como una gran escultura para habitar

  • Una línea ondulada, como el remate de una cordillera, dibuja la cresta del tejado

  • Es una arquitectura viva, sin repeticiones (cada piso, ventana o balcón, es diferente al inferior) 

  • Planta original con dos escaleras curvilíneas y aparente desorden espacial (planta libre)

  • La gran fantasía creadora se ve en: esas chimeneas ventiladores y salidas de escaleras al terrado, de formas surrealistas, que salpican el tejado

  • La fantasía y lo anormal parece la regla, pero en el fondo está todo calculado hasta los más mínimos detalles para que la vivienda sea lo más confortable y humana posible

  • Entre las ventanas y balcones - muchas flores y naturaleza y vegetación

  • Con el exterior - tiene aire y luz directo 

  • Ninguna habitación es igual a la otra - en diferentes plantas tiene unas formas y direcciones diferentes 

  • Muros o tabiques de pandereta 

    • Pandereta = instrumento que es circular tiene platillos 

La Sagrada Familia

Siglo 20-21

Antonio Gaudi

Barcelona

Arquitectura Modernista

• El más grandioso proyecto de la vida de gaudí, donde culmina el catolicismo radical del gran arquitecto

• Conjunto neogótico de la “Sagrada Familia” en el primer proyecto diseñado por el arquitecto diocesano D. Francisco de Paula del Villar y Lozano

•  Sabiendo el maestro que no la podría concluir, terminará el eje vertical, dejando, a futuros arquitectos, la continuación horizontal de su obra y la posibilidad de adoptar otras plantas más acordes con gustos futuros

• **Examen - solo estudiar la fachada de nacimiento 

• FACHADA DEL NACIMIENTO:

• La lucha titánica del hombre para domesticar la materia (piedra)

• Arte modernista

• El aspecto chorreante de la portada no puede ser más modernista

• Antoni gaudi

• 1894-1930???

• Fe, esperanza, y caridad = 3 virtudes teologales 

• Portal de la caridad - a la izquierda de la entrada, los reyes y a la derecha los pastores

• Hay Ángeles cantores y músicos

• Flora y fauna catalana

• Portal de esperanza y portal de la fe 

• arcos aplutados

• 4 torres- 4 de los 12 aposteles.  

• fachada de nacimiento- el nino de padre, maria, san jose, reyes magos

• Campanarios - es la obra más expresiva de la reacción contra el racionalismo arquitectónico / el árbol de la vida / santísima trinidad 

  • Tortuga - tierra

  • Galapagos - h20 

  • tau : Padre, jesus: hijo, y espíritu santo = santísima trinidad (3 divinidades)

• Pináculos y escaleras - el cubismo y surrealismo

El enigma de Hitler

Museo Reina Sofia en Madrid

Surrealismo pintura

Siglo 20

Salvador Dali

• Esta obra surge en 1939, año crítico en Europa. Dalí estaba obsesionado con Hitler y con la ambigüedad emocional que el dictador le producía: miedo, fascinación y repulsión.

• La escena muestra un paisaje árido, vacío y cargado de tensión psicológica. En el centro hay una figura femenina (remitiendo a su esposa Gala) y un teléfono desconectado, símbolo del fracaso de las negociaciones políticas previas a la guerra.

• Un plato con un pez en descomposición, un símbolo recurrente en Dalí, representa la corrupción moral y la descomposición del mundo ante el ascenso del nazismo.

• El ambiente general recuerda un sueño inquietante, típico del surrealismo: formas difusas, objetos desproporcionados y analogías oníricas.

• Dalí intenta transmitir un mensaje ambiguo: la incapacidad de Europa para detener la tragedia y el misterio psicológico del propio Hitler, cuya figura aparece apenas sugerida.

• La obra es una mezcla entre crítica política, psicoanálisis y visiones personales del artista, y forma parte de sus pinturas más cargadas de ansiedad simbólica.

La Ultima Cena

Galeria Nacional de Arte-Washington DC

Surrealismo

Pintura al oleo

Siglo 20

Salvador Dali

• Composición simétrica y equilibrada, inspirada en el Renacimiento

• Cristo colocado exactamente en el centro de la composición

• Apóstoles dispuestos de manera uniforme alrededor de la mesa, con la cabeza inclinada

• Atmósfera calmada y serena (sin gestos dramáticos ni escena de la traición)

• La escena está encerrada en un figura de 12 caras

• El dodecaedro simboliza:

  • Perfección matemática

  • Orden divino

  • La estructura del universo (filosofía platónica)

• Refleja el interés de Dalí por la ciencia, especialmente la teoría atómica

• Cristo aparece idealizado, sereno y casi translúcido

• Los brazos abiertos sugieren:

  • Bendición

  • Sacrificio

  • Presagio de la crucifixión

• Un gran torso transparente con los brazos extendidos flota sobre la escena:

  • Interpretado como Dios Padre o un Cristo cósmico

  • Representa la presencia divina más allá del mundo físico

• El pan y el vino están colocados en el centro:

  • Simbolizan la Eucaristía (el cuerpo y la sangre de Cristo)

• Las cabezas inclinadas de los apóstoles muestran reverencia y concentración espiritual

• Se enfatiza el sacramento más que el drama narrativo

• Una luz suave y sombras mínimas crean una sensación de pureza y trascendencia

• Las formas transparentes sugieren espiritualidad y una realidad no material

• El fondo recuerda al paisaje natal de Dalí, Cataluña

• El mar y el cielo tranquilos refuerzan la armonía y la sensación de intemporalidad

• Conecta la escena divina con el mundo terrenal

• Representación altamente realista y precisa

• Influenciada por artistas renacentistas (Leonardo, Rafael)

• Muy diferente del surrealismo onírico de la etapa temprana de Dalí

• Emoción controlada y claridad clásica

• Fusión de la fe católica y la ciencia moderna

• Búsqueda de orden espiritual tras el caos de la Segunda Guerra Mundial

• Interpretación atemporal y cósmica del cristianismo

• Armonía entre matemáticas, religión y naturaleza

• Marca el cambio de Dalí del surrealismo rebelde a una filosofía religiosa

• Una de las pinturas religiosas más importantes del siglo XX

• Reimagina la Última Cena como una visión de unidad cósmica
  

Huevo sobre la llanura sin llanura

Davlyn Gallery NYC

Surrealismo pintura

Siglo 20

Salvador Dali

• El huevo es uno de los símbolos más importantes en la iconografía daliniana. Representa el origen de la vida, la maternidad, la transformación y la posibilidad de nuevos mundos.

• En esta obra, Dalí coloca el huevo en un paisaje desértico, casi lunar, un espacio típico de sus pinturas surrealistas donde el vacío y la soledad generan misterio.

• La composición crea un ambiente suspendido: el huevo aparece casi levitando o colocado en un espacio sin profundidad real.

• El contraste entre la suavidad del huevo y la dureza de la llanura subraya la idea de fragilidad frente al vacío existencial.

• La obra pertenece a su primera etapa surrealista, cuando estaba profundamente influido por Freud y el inconsciente. Muchos interpretan el huevo como una alusión a su propio nacimiento, identidad y miedo al paso del tiempo.

• El título “sin llanura” refuerza el carácter ilógico, auto-contradictorio y poético, típico del surrealismo.

Guernica

Museo Reina Sofia in Madrid

Pintura Cubismo-expresionismo politico

Picasso

Siglo 20

• Pintado para el Pabellón Español en la Exposición Internacional de París (1937), como respuesta inmediata al bombardeo nazi sobre la ciudad vasca de Guernica.

• Picasso utiliza únicamente tonos negros, grises y blancos para evocar las fotografías periodísticas y hacer que la escena sea universal, no local.

• La composición está cargada de símbolos:

  • El toro: brutalidad, España o la irracionalidad de la violencia.

  • La madre con el hijo muerto: dolor universal de las víctimas civiles.

  • El caballo herido: símbolo del pueblo español desgarrado.

  • La bombilla (bulb/bomb): juego visual entre “bomb” y “bulb”, representa la tecnología usada para destruir.

  • La mujer arrodillada y la mujer que grita desde la ventana: desesperación, impotencia, testigos de la tragedia.
    

• El estilo cubista ayuda a fragmentar las figuras como si fueran cuerpos rotos por la explosión.

• El mural no describe un momento concreto, sino la esencia misma del horror de la guerra.

• Con el tiempo se ha convertido en uno de los mayores símbolos del pacifismo mundial

Las senoritas de Avinon

MoMA-NYC

siglo 20

Proto cubismo

Pablo Picasso

• Obra revolucionaria de 1907 que rompe de golpe con la pintura tradicional.

• Representa cinco prostitutas en un burdel de la calle Aviñón (Barcelona), pero las figuras están completamente desarticuladas en formas geométricas y angulosas.

• -lineas quedabras de gran agresividad 

• un sentimiento de admiración primitivo

• -frontalismo

• Las dos mujeres de la derecha presentan rostros inspirados en máscaras africanas, reflejo del interés de Picasso por el arte primitivo, que consideraba más auténtico y espiritual que el arte europeo académico.

• No existe perspectiva clásica: todo está plano, frontal y casi agresivo visualmente. Los cuerpos están distorsionados y fragmentados como si fueran cortados en planos superpuestos.

• Las miradas de las figuras son directas y amenazantes, lo que produce inquietud en el espectador.

• Es considerada la obra que inicia la ruptura que conducirá directamente al cubismo analítico junto con Georges Braque.

• En su época fue tan radical que incluso amigos cercanos de Picasso quedaron desconcertados por su violencia visual y conceptual.

La vida

Museo de Arte de Cleveland

Periodo Azul de picasso-moderism

pintura

siglo 20

Pablo Picasso

• Obra central del “Periodo Azul”, marcado por tonos fríos, atmósferas melancólicas y temas de pobreza, sufrimiento y fragilidad humana.

• La figura masculina es probablemente Carlos Casagemas, amigo íntimo de Picasso cuyo suicidio en 1901 marcó profundamente al artista. Algunos estudios sugieren que Picasso repintó su propio rostro sobre el cuerpo de Casagemas.
  
  

• La composición presenta dos grupos:

• A la izquierda, un hombre desnudo sostiene a una mujer, ambos con expresiones graves y meditativas.

• A la derecha, una madre con un niño en brazos aparece envuelta en silencio, evocando maternidad, vulnerabilidad y destino.

• Detrás de las figuras se encuentran dos pinturas dentro de la pintura, como murales simbólicos que reflejan ciclos de vida y muerte.

• La obra plantea reflexiones existenciales sobre la condición humana, las pérdidas personales y la fragilidad emocional.

• Las posturas rígidas y los cuerpos estilizados recuerdan a la escultura gótica y a El Greco, influencia notable en esta etapa de Picasso.