arts visuels - la perspective et les courants

volonté d’imiter la nature

mimésis

La perspective 

 art, technique de la représentation en 2 dimensions sur une surface plane des objets en 3 dimensions tels qu’ils apparaissent vus à une certaine distance et dans une position donnée

La perspective au Moyen Age

Inexistante et inconnue

pas de ciel (fond doré qui symbolise le sacré),

pas de réelle notion d’espace

(succession de plans juxtaposés dans une tentative de créer une profondeur sans règle mathématique),

proportions symboliques (la taille n’est pas déterminée par

l’emplacement mais par importance)

Perspective géométrique/linéaire

inventée à Florence en 4 étapes 15es

Giotto -> tentative maladroite de représenter un ciel illusionniste uniforme, de suggérer une profondeur

Benozzo Gozzoli -> ciel plus contrasté, différences de profondeur,

oiseaux et nuages (échelle pas respectée encore)

Ambrogio Lorenzetti -> bâtiments avec vue sur l’intérieur, technique de la « boite ouverte », ciel non doré

La révolution de Brunelleschi 

fin 14e s début 15e

Élabore une méthode scientifique et rigoureuse qui s’appuie sur des données objectives (géométrique, mathématique) = rupture // MA et Renaissance

1416 = naissance officielle de la perspective géométrique =>tavoletta

tavoletta

prend un miroir et va face au baptistère avant de voir que la réalité se superpose/se reflète sur sa tavoletta (les traits du bâtiment) il réitère l’expérience sur un autre bâtiment

(moitié du 15e s) La Trinité de Donatello avec point de fuite (carrelage)

de Masaccio ou l’on redécouvre Vitruve et le langage architectural

de l’Antiquité (pilastres engagés, voute en caisson, chapiteaux corinthiens, colonnes)

=> composition équilibrée, triangulaire ascendante (de bas en haut) =

composition courante de la Renaissance (stable, symétrique) et régularité des couleurs + le « memento mori » (rappelle la mortalité du spectateur)

Peinture atmosphérique/aérienne

Flamands 15e s

Avec invention de la peinture à l’huile Jan Van Eyck

 Lorsqu’on regarde un paysage, on se rend compte que les couleurs sont éclatantes au 1er plan et deviennent de + en + bleutées et ternes à mesure qu’on regarde au lointain

La perspective et Jan Van Eyck - 4 points de fuite car les 4 bandes qui composent son tableaux possèdent une perspective propre

Le Vedutisme

18e s

les vues urbaines = le courant pictural qui donne à voir ces vues de villes

Le principe de la camera obscura/chambre noire

Principe connu depuis l’Antiquité -> traité d’Aristote « » -> être dans une pièce close, un trou dans une paroi et l’image extérieur se reflète à l’envers dans la paroi de la camera obscura

• 13e s -> R.Bacon ajoute un miroir pour mettre l’image dans le bon sens

• 16e s -> Cardano et Porta ajoutent des miroirs concaves pour avoir une image plus nette

• 1620 -> Kepler construit une chambre optique transportable et ajoute les télé objectif

• 17e s -> utilisation de la chambre noire que se répand chez les artistes

Cette camera obscura a permis aux védutistes de parfaire leurs vues

la couleur

la couleur est de la lumière = des ondes électromagnétiques, chaque onde se caractérise par une valeur = longueur d’onde

Couleurs dites « primaires », « secondaires », « complémentaires »

• primaires - couleurs de base, non obtenues par mélange
  rouge, jaune, bleu

• Couleurs secondaires
  → mélange de deux couleurs primaires
  orange (rouge + jaune)

• Couleurs complémentaires
  → couleurs opposées sur le cercle chromatique
  rouge – vert

Colorant

soluble dans le milieu dans lequel il est dispersé

Pigment

 matériau insoluble dans le milieu dans lequel on le disperse

Couleur (belle)

- Stabilité (tenir dans le temps)

- Prix

- Pigment naturels : dans le nature qu’on peut utiliser direct (ocre)

- Pigments artificiels/synthétiques : fabriqués par l’Homme pour être utilisés (étapes chimiques)

• 18e s -> pigments simples

• 19e s -> pigments synthétiques

La touche

la matière picturale appliquée d'un seul coup de pinceau sur le support

Le Sfumato

Technique consistant à atténuer les contours des figures ou de certains éléments de tableaux pour créer un passage doux de l’ombre à la lumière = glacis

Saint Jean-Baptise, L. De Vinci, 1513

Impressionisme

1874–1886

Manière de travailler la couleur : rendre compte de la sensation

visuelle de qu’ils voyaient, plus de volonté d’avoir un rendu lisse :

fractionné, coups de pinceau, rendu non fini (видные мазки)

-> Ramener éléments liés à la révolution industrielle, à la modernité

-> Temps passé en extérieur, peu en atelier

-> Objectif qui a changé : plus de volonté d’éduquer le spectateur,

moralisants, sujets nobles ect : sujets modernes, plaisance

-> Marginaux au début

A. Les principaux peintres:

• Berthe Morisot

• Frédéric Bazille

• Claude Monet

• Pierre-Auguste Renoir

• Camille Pissarro

• Alfred Sisley

(Impressionisme) La Balançoire de Renoir -> couleurs très poudrées, particularité de sa toucher = même pigment que la peinture sur porcelaine, effet

flou et non finit

(Impressionisme) Monet, Hôtel des Roches Noires, Trouville

(Impressionisme) Monet, La Rue Montorgueil à Paris, fête du 30 juin.

Néo-impressionnisme/pointillisme

1886–1900

Les principaux artistes

• Georges Seurat

• Paul Signac

Touche divisée, coups de pinceaux juxtaposés, le recul fait apprécier le motif dans son intégralité

poursuivent le travail des impressionnistes -> représentation sujets modernes, essayer de rendre une vision simplifiée de la réalité = simplification des volumes

-> Recherches sur l’optique = en juxtaposant les touches de peinture sur la toile le mélange de couleur se fait directement dans la rétine du spectateur et non plus sur le tableau

-> Rupture avec la couleur locale = les peintres ne cherchent plus à rendre la couleur le plus fidèlement possible, pas telle qu’ils la voient mais telle qu’on la ressent -> cherchent à rendre des sensations

(Néo-impressionnisme/pointillisme) Un dimanche après-midi à l’Île de la Grande Jatte de Seurat,

(Néo-impressionnisme/pointillisme) Luxe calme et volupté d’H. Matisse

(Néo-impressionnisme/pointillisme) Paul Signac, Femmes au puits.

Cloisonnisme

1888–1895

Le cloisonnisme s’inspire de la technique du cloisonné, utilisée dans la céramique, l’émail, l’orfèvrerie et le vitrail. Le motif coloré y est délimité par des cloisons (пятна, куски) métalliques qui séparent les différentes zones de matière colorée.

en peinture:

les formes sont cernées de lignes sombres, les couleurs sont posées en aplats, sansdégradés ni modelés. Cette approche rompt volontairement avec le naturalisme impressionniste.

Les deux principaux fondateurs de cette manière picturale sont :

• Louis Anquetin (1861-1932)

• Émile Bernard (1868-1941)

(Cloisonnisme) Louis Anquetin, Le Bateau au soleil couchant

dessin stylisé, simplifié, les traits les plus importants qui marquent

les contours, motifs délimités par une ligne noire assez épaisse

avec des plages colorés à l’intérieur

(Cloisonnisme) Émile Bernard Les Bretonnes dans la prairie 

impression mimétique de la couleur, pas réaliste

Synthétisme

1888–1900

Gauguin et les peintres dits synthétistes (Bernard, Sérusier, etc.) simplifient les formes et éliminent les détails pour ne garder que les lignes essentielles et les rapports de tons. L’objectif n’est plus de reproduire la réalité visible, mais de traduire une idée ou une émotion.

(Synthétisme) La Vision après le sermon de P. Gauguin

sol rouge, un ange se battant avec Jacob de la bible que l’artiste avait

entendu

- En voyageant en Martinique il restitue des nouvelles couleurs à son retour, des couleurs de la nature qui sont nouvelles

Le japonisme joue un rôle majeur chez Gauguin :

• goût pour les aplats,

• contours marqués,

• compositions asymétriques,

• stylisation des branches d’arbres, inspirée des estampes japonaises.

(Synthétisme) Cyprès de Van Gogh

peignant pendant ses périodes de lucidité entre crises : il fixait la

réalité de ce qu’il avait ressenti à un moment = ici le vent, la fraicheur

(Synthétisme) Café de nuit de Van Gogh

 Couleur très fortes pour rendre l’impression de chaleur, d’ivresse … il essaye de matérialiser les effets = moyen de se rapprocher de la réalité

Avant-gardes

начало XX века

Ce sont des mouvements expérimentaux, à la pointe de l’innovation. Ils sont souvent portés par de jeunes artistes travaillant en groupe. Les dimensions politique et idéologique y sont fondamentales.

Les avant-gardes du début du XXe siècle - fauvisme, expressionnisme, cubisme,

Fauvisme

1905–1908

Les principaux artistes

• Henri Matisse

• André Derain

• Maurice de Vlaminck

Le fauvisme se caractérise par :

• des tons chauds et vifs,

• des couleurs pures,

• des juxtapositions franches,

• un fort impact visuel et émotionnel.

(Fauvisme) Vlaminck, La Partie de campagne, 1905.

même touche en virgule, fractionnée, épaisse et couleurs éclatantes, vents, mouvement saisie

(Fauvisme) Portrait d’André Derain par Vlaminck, 1906.

Les artistes se désintéressent de plus en plus de la fidélité du motif à la réalité. Ils s’intéressent à la couleur pour elle-même

(Fauvisme) La route tournante à l’Estaque de A. Derain

essayent tout les courants et mènent à ce type de réalisation

- Essayent de restituer les sensations du sud de la

France

- Couleurs chaudes…

(Fauvisme) La femme au chapeau Matisse

s’intéresse de moins en moins au motifs, plus du tout de mentisme en terme de couleur -> travail en aplat de plages colorées => pas de volume, de perspective -> frontalité forte

(Fauvisme) L’atelier rouge de Matisse

presque disparition du motif : presque monochrome mais ne veulent pas complètement le perdre = explorer les qualités plastiques de la couleurs, pas de narration…

Il s’agit d’une première étape vers l’abstraction.

(Fauvisme) Le bonheur de vivre de Matisse

aussi disparition de motifs mais on va vers la perte du sujet

L’expressionnisme allemand

1905–1920

Die Brucke

(L’expressionnisme allemand)

Le groupe Die Brücke (« Le Pont ») est fondé à Dresde en 1905 par quatre étudiants en architecture :

• Ernst Ludwig Kirchner

• Erich Heckel

• Karl Schmidt-Rottluff

• Fritz Bleyl

et plus tard Nolde et Plechstein et encore plus tard Mueller

Motifs dont les contours sont marqués par un cerne (trait noir épais) remplis par de la couleur.

Caractéristiques :

• formes simplifiées et anguleuses,

• contours noirs ou sombres très marqués,

• couleurs vives, violentes, contrastées,

• expression intérieure privilégiée par rapport à la ressemblance au réel,

• présence d’angoisse, de tension, d’intensité émotionnelle.

Thématiques privilégiées

• le rapport entre l’artiste et le modèle, souvent ambigu,

• le nu,

• le cabaret, la danse, la prostitution,

• la ville moderne, la foule, les rues, les tramways,

• le sentiment de malaise et de solitude dans la métropole.

(L’expressionnisme allemand) Femme étendue de Heckel

S’inspirent de la gravure sur bois beaucoup : couleur restreinte pas très travaillées, formes géométriques, coté primitif

(L’expressionnisme allemand) L’artiste et son modèle de Kirchner

pour choquer les bourgeois et exprimer sa vision des relations et jeune fille en déshabillé, seulement touches de couleur

(L’expressionnisme allemand) Marzella de Kirchner

(L’expressionnisme allemand) Maisons de nuit de Schmidt-Rottluff

 aplats de couleur, l’urbanisme

NKVM

(L’expressionnisme allemand)

Nouvelle association des artistes munichois : se forme autour de Kandinsky et sa compagne Gabriele Munter vers 1908 et seront rejoints pas 2 artistes russes Alexej Von Jawlensky et Marianne Von Werefkin -> commencent à travailler ensembles en s’inspirant de l’actualité artistique française et l’art populaire bavarois

La NKVM défend une peinture aux couleurs intenses, influencée par le fauvisme et le symbolisme, avec déjà une tendance à la simplification des formes et à la spiritualité.

Les artistes travaillent avec :

• des cernes noirs épais,

• de larges plages colorées,

• des formes simplifiées et schématisées.

La NKVM constitue l’embryon de Der Blaue Reiter.

Les idées du groupe

• recherche d’une dimension spirituelle de la peinture,

• rejet du naturalisme et des sujets trop descriptifs,

• importance de la couleur pure comme expression d’un état intérieur,

• formes de plus en plus abstraites, notamment chez Kandinsky vers 1910-1912.

Der Blaue Reiter

(L’expressionnisme allemand)

La NKVM constitue l’embryon de Der Blaue Reiter.

Ils développent des idées communes mais avec des esthétiques très différentes -> abstraction pour Kandinsky « inventeur de l’abstraction lyrique »

(L’expressionnisme allemand) Sans titre de W.Kandinsky, 1910

le 1er tableau abstrait = une oeuvre finit mais qui ne représente aucune sujet nommé,

identifié : taches, lignes, formes = le prolongement de toute la

logique = volonté de décomposer le motifs, travailler la

couleur pour elle même et de s’éloigner de la volonté de

représenter quelque chose de réaliste 

(L’expressionnisme allemand) Tableau à la tâche rouge de W.Kandinsky

utilisation irréaliste de la couleur et attribuent des valeurs à la couleur

• Kandinsky : jaune = terrestre, bleu = céleste, rouge = relève de « la vie ardente et agitée » (пылкая и бурная жизнь)

(L’expressionnisme allemand) Composition avec rouge, jaune, bleu de Piet Mondrian

(L’expressionnisme allemand) Blaues Pferd 1 de F. Marc, 1911

utilisation irréaliste de la couleur et attribuent des valeurs à la couleur

• Marc : jaune = féminin, tendre, serein, sensuel, bleu = masculin, robuste, rouge = naturel, brutal, lourd

Le cubisme

1907–1914

Pablo Picasso et Braque

• décomposer les formes en plusieurs facettes géométriques.

• Ils s’inspirent de plusieurs artistes comme Matisse.

• L’art africain va être très important en cubisme. Les formes vont à l’essentiel.

(Le cubisme) Les demoiselles d’Avignon de Picasso

s’inspire des baigneuses de Cézanne, de l’art Africain très important et l’art populaire espagnol -> les modèles ne sont pas représentées de la même manière : modèles centraux assez proches de la réalité, formes de plus en plus rudes, schématiques, femmes sans arrondis, couleurs stylisées, angles droits, carnations pas réalistes, insère une nature morte en ref à Cézanne, jeu de facettes caractéristiques (характерная игра граней)

(Le cubisme) Braque, Grand Nu

réponse au tableau de Picasso. Braquage introduit un volume, idée de mouvement qui est absente de l’œuvre de Picasso. Chez Braque on a la meme inspirations des arts premiers (africains, asiatiques). Le cors humain n’est pas réaliste mais on arrive a l’identifier très clairement.

(Le cubisme) L’amitié de Picasso

encore du volume qui va se perdre petit à petit, couleur tjr travaillé en aplat, principe d’aplat de couleur cerné

La première phase du cubisme 

phase analytique 1909-1912

De moins en moins de volume -> tjr principe de facettes géométrique qui vont devenir frontaux (фронтальные, без обьема), comme aplatir les facettes (уплощение граней) qui aboutit à la dissolution du motif (мотив расстворяется и становится менее различимым) + réduction de la gamme chromatique

Pablo Picasso et Braque

(Le cubisme) Nu dans un fauteuil de Picasso

on reconnaît encore une femme, moins de couleurs, camaïeu de gris, pas de couleurs vives

On se dirige plus en plus vers de moins en moins de figuration

(La première phase du cubisme : phase analytique)

(Le cubisme) Violon et palette de Braque 1909

Éléments encore reconnaissables, succession de facette géométriques

(La première phase du cubisme : phase analytique)

(Le cubisme) La Mandore de Braque 1909

plus de motif, dissout, frontalité

(La première phase du cubisme : phase analytique)

La deuxième phase du cubisme

 phase synthétique 1913-1915

La 1GM met un therme à ces recherches picturales, se caractéristique par des collage -> on essaye de réintroduire des éléments qui s’attachent à la réalité : couleurs, éléments qui sont en lien avec le moti, (ex : bois pour rappeler le motif d’une chaise)

Fernand Léger

l’héritier du cubisme

fils d’agriculteur, se forme en architecture et s’installe dans la quartier Montparnasse

1ère phase liée à l’abstraction et au cubisme 1900-1914

• esthétique liée à la mécanisation (ce qui va devenir sa marque de fabrique)

2ème phase plus rattachée à la figuration

il réintroduit beaucoup de couleur vives, des courbes, des figures

Esthétique de la mécanisation des tubes, des motifs très lié aux usines et à l’industrialisation. On a l’utilisation de couleurs métallisés (noir/gris très métallisé). Le gris va devenir une couleur très importante chez cet artiste. Développe sa théorie du constate/dynasmisme : de couleurs (opposée et juxtaposées) et de formes (droites, circulaires)

(Le cubisme) Le remorqueur de Léger

couleurs vives juxtaposées, éléments de courbes comme l’arbre, éléments figuratifs (chien, homme…) et esthétiques de la mécanisation (tubes, industrie…) avec utilisation de couleur métallisées

(Le cubisme) Éléments mécaniques de Léger 1914

créer des composition qui associent ces tubes, tuyaux… volumes un peu réintroduits

(Le cubisme) Trois femmes sur fond rouge de Léger 1927

Applique l’esthétique de la

mécanisation à la figure humaine = humains traités comme éléments industriels, mécaniques

Yves Klein

(1928-1962)

présente en 1958 11 toiles identiques à la Galerie Apollinaire de Milan -> « permet de libérer la couleur de la prison de la ligne » = la couleur pour la couleur

• Proposte monocrome, epoca blu de Klein -> il fait breveter son bleu, le résultat de ses recherches sur les liants (résine x le bleu outremer)

• Untitled blue monochrome de Klein -> « le bleu n’a pas de dimension » plage colorée, grand aplat de couleur, toute la toile = limite de la logique, du processus

Lucio Fontana

Artiste italo-argentin, il commence par créer beaucoup de sculptures de statues puis au retour de la guerre il fonde le mouvement “spatialité” = veut transformer le caractère bi-dimensionnel des oeuvres d’art

Il créer deux types d’œuvres:

• Les concetti spaziali (des concepts spatiaux). Ce sont des tableaux

perforés. La peinture est appliqué de manière aléatoire

• Les Tagli (fentes): ce sont des monochromes (couleur appliqué en aplat sur l’intégralité de la surface du tableau), il met qlq coups de cutter pour transcender le caractère bi)-dimensionnel du tableau.

Jackson Pollock

1947–1950 - пик

Mise en peinture des mécanismes sous jacents (подмознательные импульсы) à l’hommes -> il essayait de laisser s’exprimer ses automatismes, ses pulsions

On a l’influence de la psychanalyse et l’automatisme de la psychique.

All over (Jackson Pollock)

toutes les parties du tableau sont importantes = logique inverse à la peinture qui guide le regard ect = tout est intéressant

Action painting (Jackson Pollock)

laisser l’action s’exprimer - projeter la peinture sur la toile

Dripping (Jackson Pollock)

laisser la peinture couler inspiré de Voie lactée de Janet Sobel 1945

Voie lactée de Janet Sobel 1945

LE POP ART

définit en « art populaire (destiné aux masses), éphémère (à court terme), consommable (facilement oubliable), peu couteux, produit en série, jeune (pour la jeunesse), spirituel, sexy, futé, séduisant et qui rapport gros »

britannique et américain.

Il fait référence a la culture populaire.

4 grandes sources d’inspiration:

• les magasines,

• la publicité, l

• a télévision

• les bandes dessinés.

Dans le pop art britannique on va retrouver des historiens, des critiques d’art, des peintre, des architectes et des photographes. Il va se dérouler en plusieurs vagues successives.

Dans le pop art américain, au départ, le pop art est plusieurs initiatives individuels.

Cet tendance va être accueillit de manière bienveillante par le public. Elle utilise des références familières aux grands publics contrairement aux autres arts. En revanche, les critique d’arts vont être très négatifs. “Le nouveau vulgaire“

Andy Warhol

Пик творчества:
→ 1960-е годы

Il va d’abord travailler comme illustrateur publicitaire pour des marques très prestigieuses comme le magazine Vogue, Glamour, New Yorker.

Il va ensuite fonder un endroit qu’il appelle The factory. un goût pour la provocation: l’usine, il se proclame par-là qu’il est lui-même une machine, qu’il est produit comme un produit manufacturé.

un groupe de musique The Velvet Underground

va réaliser des films. Empire est un film qu’il tourne en 1964 et il filme pendant 2h l’Empire State Building.

Andy Warhol et la sérigraphie

Sixteen Jackies (1964)

idée de la série, mécanique, culture populaire, idée de dégager du bénéfice et va à l’encontre de ce qui se faisait dans le monde de l’art toujours dans la provocation

=> Toujours dans la logique du publicitaire (répéter pour familiariser) - как в рекламе: повторять изображение много раз, чтобы оно становилось знакомым и узнаваемым.