Колоквиум 2 Историја на дизајн

Елиел Сааринен, Железничката станица во Хелсинки, 1909. Елиел Сааринен (1873-1959) е еден од најеминетните фински архитекти, чии дела поседуваат карактеристики на национал романтизмот како и влијанија од Југенстилот. Во своите зрели години емигрира в САД во 1923 каде работи како едукатор,прво на Универзитеот во Мичиген, а подоцна и во Кранбрук Академијата за уметност и дизјн Инспириран е од Баухаус.

Академија за уметност Кренбрук, Блумфилд Хилс, Мичиген, Америка. Академија и музеј., финасирано од американскиот медиумски могул Џорџ Бут од Детроит

Еро Сааринен, син на Елиел Сааринен еден од најпознтатие фински-американски архитекти и дизајнери.Терминал на Аеродромот Џон Ф. Кенеди, во Њујорк.

Еро Сааринен, столица Лале модел

Еро Сааринен, стол од колекцијата Утроба, 1947 год.

Националниот споменик „Џеферсон Експанзија“ (Jefferson Expansion Memorial), денес официјално познат како Национален парк „Гејтвеј Арч“ во Сент Луис, Мисури.

Хари Бертоја, столица Дијамант, 1952, челична мрежа и постамент. Хари Бертоја е познат скулптор и изработувач на мебел.

Како настанува Скандинавскиот дизајн?

Во 1914 година, данската Друштво за украсни уметности го лансираше своето списание Skønvirke буквално „Грациозно дело“). Нејзиниот наслов стана име на нов дански стил на уметност и занаетчиство, и во предметите и во архитектурата, за да им конкурира на Арт Нуво и Југендстил. Од 1930-тите, дизајнери како Алвар Алто (архитектура, мебел, текстил), Арне Јакобсен (столици), Борге Могенсен (мебел), Ханс Ј. Вегнер (столици), Вернер Пантон (пластични столчиња), Поул Хенингсен (светилки) и Маија Исола (печатен текстил) помогнаа да се создаде „златната ера на скандинавскиот дизајн“. Наградата Lunning доделена на извонредни скандинавски дизајнери помеѓу 1951 и 1970 година, била круцијална во етаблирањето на скандинавскиот дизајн како препознатлив бренд како и во дефинирањето на неговиот профил.

Каков е Скандинавскиот стил?

Скандинавскиот дизајн е движење во областа на дизајнот кое се карактеризира со едноставност, минимализам и функционалност што се појави на почетокот на 20 век, а последователно процвета во 1950-тите низ петте нордиски земји: Данска, Финска, Норвешка, Шведска и Исланд. Скандинавските дизајнери се познати особено по производите за домаќинство, вклучувајќи мебел, текстил, керамика, светилки и стакло, но скандинавскиот дизајн е проширен на индустриски дизајн како што се електроника за широка потрошувачка, мобилни телефони и автомобили.

Шведски дизајн

Првиот сигнал за најава на еден кохезивен концепт на шведскиот дизајн се појавува со книгата на Грегор Паулсон објавена 1919 г. Повеќе убави непта за секојдневна употреба. Шведскиот дизајн се смета за минималистички, со акцент на функционалноста и едноставните чисти линии. Ова особено се однесува на мебелот. Шведска е позната по традиционалните занаети вклучувајќи стакло и ракотворби од Сами. Шведскиот дизајн беше пионер на Андерс Бекман (графика), Бруно Матсон (мебел), Марта Маас Фјетерстром и Астрид Сампе (текстил) и Карл Ерик Сикстен Сасон. (индустриски).

Фински дизајн

Финскиот дизајн опфаќа облека, инженерски дизајн, мебел, стакло, осветлување, текстил и производи за домаќинството. Ознаката „Дизајн од Финска“ е создадена во 2011 година. Финскиот музеј за дизајн има колекција основана во 1873 година, додека Универзитетот за уметност и дизајн во Хелсинки, основан во 1871 година, сега е дел од Универзитетот Алто. Истакнати фински дизајнери вклучуваат познатиот архитект Алвар Алто (вазни, мебел), Аино Аалто (стакларија), Кај Франк (стакло, садови), Клаус Хаапаниеми (отпечатоци од ткаенина), Симо Хеикила (мебел), Кристина Исола (текстил), Маија Исола (печати Маримеко), Хари Коскинен (стакло, домашна опрема).

Дански дизајн

Данскиот дизајн е стил на функционалистички дизајн и архитектура развиен во средината на 20 век. Под влијание на германската школа Баухаус, многу дански дизајнери ги користеа новите индустриски технологии, комбинирани со идеи за едноставност и функционалност за дизајнирање згради, мебел и предмети за домаќинството, од кои многу станаа иконски и сè уште се користат и се произведуваат, како што е Арне Јакобсен. По Втората светска војна, условите во Данска беа идеално прилагодени за успех во дизајнот. Акцентот беше ставен на мебелот, но архитектурата, среброто, керамиката, стаклото и текстилот исто така имаат корист од трендот. Доцната индустријализација на Данска во комбинација со традицијата на висококвалитетно изработка ја формираше основата на постепен напредок кон индустриското производство.

Норвешки дизајн

Норвешкиот дизајн има силна минималистичка естетика. Дизајнираните предмети вклучуваат светилки и мебел. Нагласените квалитети вклучуваат издржливост, убавина, функционалност, едноставност и природни форми. Норвешка одржува годишна изложба за дизајн наречена „100% Норвешка“ на саемот за дизајн во Лондон. Истакнати норвешки дизајнери на мебел вклучуваат Ханс Братруд, Свен Ивар Дисте, Олаф Елдој, Олаф Хауг, Фредрик А. Кајзер, и Ингмар Релинг.

Италијанските футуристи Луиџи Русоло (Luigi Russolo), Карло Кара (Carlo Carrà), Филипо Томасо Маринети (Filippo Tommaso Marinetti), Умберто Бочони (Umberto Boccioni) и Џино Северини (Gino Severini) пред просториите на парискиот весник Le Figaro, на 9 февруари 1912.

Luigi Russolo, La Musica (пијанист кој свири пред публика), 1911–12. Преку својот музикален динамизам и поетска интуиција ја антиципира слободата на надреализмот. Тој е автор на еден футуристички манифест L'Arte dei Rumori (Уметноста на вревата), каде ќе истакне дека индустриската револуција му овозможила на современиот човек поголем капацитет да ги восприема и цени покомплексните звуци.

Луиџи Русоло, Динамизам на автомобил, 1913, масло на платно

Луиџи Русоло, Револт, (La Rivolta),1913, масло на платно

Карло Кара, Погребот на анархистот Гали, (Il Funerale dell’anarchico Galli), 1910-1911. МОМА Њујорк.

Carlo Carrà, 1912, Симултаност, жена на балкон, (Simultaneità, La donna al balcone), Collezione R. Jucker, Milan, Italy

Карло Кара, Црвениот јавач, 1913. Кара внесува емотивна драматичност во сивите кубистички тоналитети.

Умберто Бочони, Еластицитет, 1912.

Умберто Бочони, Динамизмот на велосипедистот, (Dinamismo di un ciclista)

масло на платно. 70 × 95 см

Колекција Пеги Гугенхајм, Венеција. Сликата е обид да се прикаже динамизмот на движење на велосипедист кој се движи низ времето и просторот, а не одреден момент во времето.

Умберто Бочони, Единствени форми на континуитет во просторот, 1913

Museum of Modern Art, New York. Бочони го подвлекува синтетичкиот континуитет на движење со една флуидна и динамична форма.

Умберто Бочони, Создавање на шише во просторот, 1913, МОМА.

Џино Северини, Продавачка на шапки, (La Modiste), 1910–11, Philadelphia Museum of Art

Џино Северини, Сина Танчерка, 1912.

Gino Severini, 1912, Играч на Пигал,Baltimore Museum of Art.

Г. Северини, Le Boulevard, 1911, Estorick Collection, London.

Giacomo Balla, 1912, Динамизмот на едно куче  врзано со каиш (Dinamismo di un Cane al Guinzaglio) Albright-Knox Art Gallery.

Бала е одушевен од хронофотографските студии на животни во движење.

Giacomo Balla, Раката на виолинистот, 1912. The  Estorick Collection of Modern Italian Art i

Antonio Sant'Elia, автор на манифестот на футуристичката архитектура. Концептуално близок до архитектите Адолф Лос, Ото Вагнер, и формите на индустриските градови во САД. Објект со надворешни лифтови.

Antonio Sant'Elia, Цртежи во перспектива La Città Nuova, (утопистички град) 1914.

Футуристички манифест (1909)

Филипо Томасо Маринети

„Изјавувам дека сјајот на светот е побогат за нова убавина: убавината на брзината. - Тркачкиот автомобил е поубав од Нике од Самотраки. - Стоиме на најекспонираниот планински венец на векот! Зошто да погледнеме наназад? Вчера умреа времето и просторот. Ние веќе живееме во апсолутното, имајќи предвид дека создадовме вечна, сеприсутна брзина“.

„Сакам да ја славам војната - единствената хигиена во светот - милитаризмот“

Футуризам

авангардно уметничко движење кое се појавило во Италија, и дејствувало во насока за забрзување на развојот на уметноста но и на политичкиот ангажман. Своите идеи ги прокламирало во Манифести, елоквентно интонирани со акцент на италијанскиот национализам, империјализам и ревизионизам, поддржувајќи го учеството на Италија во Првата светска војна

Главна идеја на футуризмот

Самото име укажува на главната идеја на движењето: глорификација на иднината и борба против минатото и сегашноста. Тезите на футуристите се поткрепуваат од најсовремените достигнувања во науката (Сознанието за просторот и Времето) и уметноста (Кубизмот).

Филипо Томасо Маринети

Во раѓањето на футуризмот пресудна е улогата на големиот италијански поет, драматург и писател, Филипо Томасо Маринети  кој е автор на Манифестот на футуристите објавен во парискиот весник Le Figaro во 1909 година кој се смета за почеток на футуристичкото движење. Маринети како нова вредност ја прокламира убавината на брзината и динамизмот, тврдејќи дека автомобилот е поубав од скулптурата на Нике од Самотраки, повикува на рушење на музеите, библиотеките, академиите.

Кој го објавил Манифестот на сликарите футуристи

Подоцна петмина млади сликари Умберто Бочони, Карло Кара, Луиџи Русоло, Џакомо Бала, и Џино Северини го објавуваат во Торино Манифестот на сликарите футуристи во кој се залагаат за идеите на Маринети и новата визија на светот а таа своја намера ја резимираат со зборовите: Гестот кој сакаме да го репродуцираме на сликата нема веќе да биде еден фиксиран момент на сѐопштиот динамизам. Тоа ќе биде едноставно самата динамична сензација. Оваа прва генерација на футуристички сликари ја прифаќа нео-импресионистичката  техника. Автомобилот, авионот, индустрискиот град станале митски  нови топоси за футуристите, бидејќи претставувале тријумф на технологијата, дело на човекот над природата.

• Карло Кара внесува емотивна драматичност во сивите кубистички тоналитети.

• Џино Северини со помош на тонски скали настојува да ги синтетизира кубистичката статичност и футуристичкиот динамизам.

Цел на футуристите

Футуристите настојуваат да остварат пикторална автономија, прилагодувајќи го сликарскиот јазик на изразување на динамчниот и конфузен животен ритам во непрекинато движење и новата интерпретација на визуелните доживувања, вибрирања и трансформација на објектот. Од Кубизмот ја презеле слободата во поглед на анализата на обликот и се обиделе во кубистичката статичка композиција која се обраќала на гледачот исклучиво преку говорот на формите да внесат нов динамички елемент. Преку декомпозиција на формите во призматички волумени, преку сегментација на просторот со помош на интерферирани планови и неповрзани површини настојувале ликовно да ја изразат сензацијата на забрзаниот ритам на животниот динамизам.  (Изразено во вториот футуристички Манифест од април 1909)

Нова концепција на просторот во футуризмот

Во желбата да го изменат односот на набљудувачот кон уметничкото дело Футуристите вметнале нова концепција на просторот и ја трансформирале визијата на насликаното дело. Карло Кара ќе истакне: „Сликарите ни прикажувале фигури и објекти пред нас, ние ќе го поставиме гледачот/набљудувачот во центарот на сликата, одрекувајќи се од третата димензија  во корист на динамичка димензија,“потенцирајќи ја симултаноста на духовните состојби. И покрај заедничката програма секој од сликарите внесува во футуризмот своја сопствена компонента

Умберто Бочони

Умберто Бочони еден од главните тееоретичари на футуризмот кој освен сликар бил и скултор преку декомпозиција на човечкото тело и објектите тн. еластицитет сака да ја изрази снагата на машината и преку динамизам на форми да ја продолжи скулптурата во просторот.  На некој начин ја задржува „реалистичката компонента“ на Пикасо.

Авионско сликарство

Посебен вид на сликарство кое го применувале футуристите е т.н. Авионско сликарство тн. Aeropittura во кое се фиксираат променливите перспективи преку кои се создава нова реалност, која е различна од перспективите на земја. Сликарот може да слика само кога учествува во брзината на летот, занемарувајќи ги деталите. Така настануваат синтези во кои сите делови на пејсажот изгледаат вештачки и минливи. Аеропитурата има двојно движење на летот на авионот и на движењето на раката на сликарот. Аеропитурата ја имала поддршката на Фашизмот и како таква е форсирана како специфичен национален сликарски израз.

Декоративна уметност во футуризмот

Во декоративната уметност се применуваат принципите на футуристичката  пластика. Геометрискиот сјај и пластичниот динамизам, меѓусебното интерферирање на  плановите, естетиката на машините и архитектонска синтеза. Забележителни успеси постигнале во декоративната уметност 1925 година на  Изложбата за декоративна ументост во Париз: Џ. Бала, Е. Прамполини и Ф. Деперо.

Футуристичка архитектура

Начелата на футуристичката архитектура ги објавил во 1914 со манифест Антонио Сант’ Елија. Тоа се едноставност, усогласување со животните потреби на човекот,  прилагодување со манифестациите на животот,  отфрлање на традиционалниот  израз и и прекин со историскиот континуитет. Футуристичката архитектура поаѓа од основната функционалност користејќи армиран бетон, железо и стакло. Освен Санкт Елија основно дело (Città Nuova, утопистички град) учествуваат Ф. Деперо, Е. Прамполини,  А. Сарторис. Тие на италијанската архитектура и дале вистински придонес кој не може да се негира.  После фашистичката  репрезентативна архитектура со тенденција кон историцизирање, современата италијанскаа архитектура од повеќе аспекти е континуитет на Футуристичката.

 

Павиљонот Esprit Nouveau во Париз по повод меѓународната изложба на Модерни Декоративни уметности во Париз заедно со Амаде Озенфан. 

Ле Корбизје, судската палата во Чандигар, Индија

Вила Савој, (Villa Savoye), Поаси, предградие на Париз, Le Corbisier,1928-1931

Национален музеј на западната уметност во Токио, 1959 г.

Катедралата во Роншам, Франција, завршена 1954 г.

Ентериер на катедралата во Роншам, 1954 г.

Carpenter center for visual arts, Harvard University, 1963 g.

Ле Корбизје, L Unite da Habitation во Марсеј, Франција,1952

Кој е Ле Корбизје?

• неговото вистинско име е Шарл Едуар Жанре-Гри и тој е еден од најголемите имиња на модерната архитектура

• освен архитект, Ле Корбизје е и урбанист, дизајнер, писател и сликар чии проекти се среќаваат во Европа, САД, Индија, Русија, Северна и Јужна Америка

Петте принципи на модерна архитектура на архитектонското credo на Ле Корбизје

1. Столбови - тој го одделува објектот од земјата со неколку носечки столбови

2. Градини - ги става на покривите

3. Носечки столбови кои се малку на број

4. Широко застаклување - карактеристично за неговата архитектура

5. Слободна фасада - надворешните ѕидови се ослободени од нивната носечка функција и по потреба може целосно да исчезнат

Еволуција на творењето на Ле Корбизје

Во 1918 година се сретнува со кубистот Амаде Озенфан, којшто влијае на него да почне со црта и во 1918 тој ги изработува своите први слики. Ле Корбизје го отфрла кубизмот како ирационален и започнува да го издава списанието ĽEsprit nouveau (новиот дух). И го пропагира пуризмот (буквално едноставноста, чистотата и есенцијата на формите).Тогаш тој го прима и псевдонимот Ле Корбизје. Тој ќе ја подвлече синтагмата “станбениот простор е машина за живеење”.

Жак-Емил Рулман, шифоњер/гардеробер 1921-1922

Жак-Емил Рулман, Ормар, Музеј на убави уметности во Лион

Жак-Емил Рулман, кабинет

Сјуе и Маре Ѕидно огледало, 1920. Луј Сјуе и Андре Маре, припаѓаат на онаа група промотори на Арт Деко, кои својата кариера ја започнале како сликари а подоцна се свртуваат кон декоративните уметности.

работен кабинет, Луј Сјуе и Андре Маре

Жан Динан, Кочијата на Аурора, детал (излиени метални предмети предмети прецизно леени)1935г

Кој е Жан Динан?

Жан Динан се поврзува со една група ентузијасти кои се обидуваат со уметничка обработка и оригинален пристап да ги трансформираат обичните и евтини материјали. Динан е роден Швајцарец кој доаѓа во Париз да изучува скулптурa. Под влијание на неговиот учител Жан Дат, започнува да изработува предмети во т.н. Dinanderie техника т.е. создавање структура со примена на единечни парчиња од метал. Станува збор за фино излиени метални предмети предмети прецизно леени.

Рене Лалик, еден од најголемите репрезенти дизајнери на Арт Деко стилот. Активен и во времето на Арт Нуво има создадено исклушителни остварувања во дизајнот на накит со примена на благордни метали и скапоцени камења. Кон крајот на 1910, Лалик започнува да експериментира со стаклото како многу поевтин материјал

Рене Лалик, шишенце за парфем

Ресторан во парабродот Normandie декориран од Рене Лалик

Огист Пере, Театар Шан зе лизе, 1910-1913, Париз. Театарот е изграден од армиран бетон и има правоаголни форми, прави линии и декорација прикачена однадвор на плочи од мермер и штуко, што беше радикално отстапување од стилот на Арт Нуво и во тоа време, шокантно необичен на изглед. Бетонската конструкција на зградата не била само стилски избор. Условите на подземјето и близината на локацијата до Сена го направија бетонот неопходност. Анри ван де Велде беше почетниот архитект, кој поднел оставка кога било јасно дека изведувачите, браќата Пере, имаат многу подлабоко разбирање за армирано-бетонската конструкција од него.

Зградата вклучува надворешен барелјеф од Антоан Бурдел, купола од Морис Дени, слики од Едуард Вијар и Жаклин Марвал и сценска завеса од Кер-Ксавиер Русел. Во зградата се сместени две помали сцени, театарот Comédie шан зе лизе на 3-ти кат и Studio шан зе лизе на 5-ти кат.

Аполон опкружен со 9-те музи барелјеф изработен од Антоан Бурдел.

Вилијам ван Ален, Крајслер билдинг, Њу Јорк. Изградена помеѓу 1928 и 1930 година, зградата Крајслер накратко била највисоката во светот,(318 метри). Таа ја освои оваа чест во ноември 1929 година - кога зградата беше надградена со шилест врв од 55 метри - и го држела рекордот до отворањето на Емпајер Стејт Билдинг во 1931 година.

Емпајер Стејт Билдинг

General Electric Building, New York, Art Deco со елементи на Нео-Готика, 1929-1939.

Постер за Чикашката светски саем 1933.

Што е Арт Деко?

Арт Деко, кратенка od франц. Arts Décoratifs понекогаш и само наречен Деко, е стил во визуелните уметности, архитектурата и дизајнот на производи, кој првпат се појавил во Франција во 1910-тите (непосредно пред Првата светска војна) и процветал во САД и Европа во текот на 1920-тите и 1930-тите. Арт Деко влијаел на изгледот на мостовите, зградите, бродовите, возовите , автомобилите, камионите автобусите, мебелот и секојдневни предмети како радија и правосмукалки.Своето име овој правец во уметноста го добил после одржувањето на Меѓународната изложба на модерни декоративни и индустриски уметности, одржана во Париз 1925 година. Арт Деко комбинира модерни стилови со фина изработка и богати материјали. За време на својот врв, тој олицетворувал луксуз, гламур, бујност и верба во општествениот и технолошкиот напредок.

Како започнува Арт Деко во Франција?

Art Deco беше резултат на долгата кампања на француските декоративни уметници да добијат еднаков статус со сликарите и скулпторите. Терминот "arts décoratifs" бил измислен во 1875 година за да им даде официјален статус на дизајнерите на мебел, текстил и други украси. Арт Деко е еден од првите вистински меѓународни стилови, но неговата доминација завршила со почетокот на Втората светска војна и подемот на строго функционалните и ослободените од декорација стилови на модерната архитектура и Меѓународниот стил на архитектура што следел. Париските стоковни куќи и модни дизајнери исто така одиграа важна улога во подемот на Арт Деко. Основани фирми вклучувајќи го производителот на куфери Луј Витон, фирмата за сребрени производи Кристофл, дизајнерот на стакло Рене Лалик и златарите Луи Картие и Бушерон, кои сите почнаа да дизајнираат производи во помодерни стилови.

Арт Деко во САД

Арт Деко стилот, кој потекнува од Франција непосредно пред Првата светска војна, имал важно влијание врз архитектурата и дизајнот во САД во 1920-тите и 1930-тите. Најпознати примери се облакодерите на Њујорк, вклучувајќи ги Емпајер Стејт Билдинг, Крајслер Билдинг и Центарот Рокфелер. Комбинирале модерна естетика, фина изработка и скапи материјали и станале симбол на луксуз и модерност. Иако ретко се користел за резиденции, често се користел за деловни згради, владини згради, железнички станици, кина, ресторани и стоковни куќи. Исто така, често се користел во мебелот и во дизајнот на автомобили, океански бродови и секојдневни предмети како што се тостери и радио уреди. Стилот бил повторно откриен во 1960-тите, а многу од оригиналните градби се обновени и сега се историски знаменитости. Американскиот Арт Деко има корени во модерниот стил популаризиран на Меѓународната изложба за модерна декоративна и индустриска уметност во Париз во 1925 година.

Што се влијае на развојот на Арт Деко во САД?

Соединетите Американски Држави официјално не учествуваале, но Американците - вклучително и главниот архитект од Њујорк, Ирвин Чанин и други ја посетиле изложбата  и владата испратила делегација на изложбата. Нивните добиени извештаи помогнале да се прошири стилот во Америка. Други влијанија кој влијаат на американскиот Арт Деко го вклучуваат германскиот експресионизам, австриската сецесија, Арт Нуво, Кубизмот.

Архитектурата на Американското Арт Деко

Архитектурата на Американската Арт Деко имала различни форми во различни региони на земјата, под влијание на локалните вкусови, културни влијанија или закони. Во 1920-тите, стилот честопати се нарекува „вертикален стил“, што се однесува на новиот изглед на облакодери што се појавуваат во градовите во Америка.Новиот изглед на облакодери кои се појавуваат во градовите во Америка. Макар што Art Deco стилот бил роден во Париз, но во тој град не биле дозволени градби повисоки од катедралата Нотр Дам (со единствен исклучок на Ајфеловата кула). Како резултат на тоа, САД наскоро го презедоа водството во изградбата на високи згради. Првите облакодери биле изградени во Чикаго. Декорацијата на внатрешноста и надворешноста на облакодерите беше класична Арт Деко, со геометриски форми. Друга голема знаменитост на стилот била зградата General Electric, од Џон Волтер Крос. Беше покриен од горе до долу со цик-цак и геометриски обрасци и имала високо украсна круна со геометриски кубиња и громови од камен.

Wainwright Building во Сент Луис во Мисури во Англија дизајнирана од Адлер и Саливен

Wainwright Building во Сент Луис во Мисури во Англија дизајнирана од Адлер и Саливен

Carson Piri Scott, Чикаго, 1899 година

Старата Чикашка берза, 1893-1894, Адлер и Саливен (Адлер и Саливан беше архитектонска фирма основана од Данкмар Адлер и Луис Саливан во Чикаго)

Van Allen Building дизајнирана од Луис Саливен, а се наоѓа во Клинтон, Ајова во Англија

Кој е Луис Хенри Саливен?

Луис Хенри Саливен се родил во Бостон, во семејство на танчер, иселеник од Ирска и иселеничка од Швајцарија. Детството го поминал, истражувајќи ја природата на имотот на неговите баба и дедо. Завршил основно училиште, по што се запишал во англиската гимназија во Бостон. Но, неговите интереси се промениле, па долго време поминал, скитајќи по улиците низ Бостон и набљудувајќи ги зградите, од кои бил фасциниран. Така во 1872 година ја напуштил гимназијата и се запишал на MIT (Massachusetts Institute of Technology) каде што изучувал архитектура. На МИТ поминал само една година, а веќе во јуни 1873 се преселил во Филаделфија каде што работел заедно со архитектот Френк Фурнес. Во меѓувреме неговите родители се преселиле во Чикаго. Откако заминал во Чикаго, се вработил кај Вилијам Ле Барон Џени. Во 1874 година, заминал во Париз, каде што студирал архитектура, но останал само кратко. во 1875 година се вратил во Чикаго, каде што се вработил кај Џонсон Еделман. Во 1876 година му била доделена задачата да ја уреди внатрешноста на „Мрачната колиба“ во Чикаго, а Саливен истата ја завршил одлично, за што добил бројни пофалби.

Кои се карактеристиките на Чикашката архитектура?

Главна карактеристика на Чикашката архитектура е преминот од носечките ѕидови кон скелетен систем кој обезбедувал снажна и стабилна конструкција и до висини кои дотогаш не биле достапни. Конструктивниот скелет бил исто така и значаен фасаден елемент. Скелетот односно конструктивната рамка била била исполнета со големи прозорци кои овозможувале инсолација на просторот. На фасадите често се употребувани флорални орнаменти , најчесто од теракота со извесни влијанија од европските стилови особено сецесијата кои постепено се губеле од зградите и тие добивале прочистен функционален израз.

Како настанала фирмата Адлер и Саливен?

Саливен бил запознаен со Данкмар Адлер од страна на Џонсон Еделман. Во 1879 година, Еделман го напуштил Чикаго, па Саливен останал без работа, но веќе во 1880 година започнал да работи со Адлер. Во 1883 година, Саливен станал соработник на Адлер, па фирмата го добила името Adler & Sullivan. Двајцата, одлично соработувале и набргу го добиле признанието, „учители по архитектура“. Фирмата била ангажирана во изградба на околу 180 градби, главно административни, но и театри. Меѓу најпознатите градби, кои произлегле од соработништвото на Саливен со Адлер се „Аудиториумската зграда“, ,,зградата на берзата во Чикаго” и „Шилеровата зграда“. Во 1887 година, во Adler & Sullivan се вработил Френк Лојд Рајт. Саливен, веднаш станал негов учител, а неговиот однос со Рајт, самиот Рајт го нарекол „lieber-Meister“ („посакуван мајстор“).

Американска архитектура

После големиот пожар во Чикаго во 1871 во периодот на обновата е создадена модерна архитектура која ќе ги промовира американските архитекти како водечки во светот. Нејзиниот технолошки развој воведувањето на новите материјали и авангардниот дизајн ќе бидат моторот кој ќе ја промовира американската архитектура како водечка во светот. Во најголем дел американските архитекти биле повеќе инжинери а по ретко во вистинска смисла на зборот архитекти, 19-от век е прекретница. Една плејада од млади архитекти како Луис Саливен, Хенри Хобсон Ричардсон, Денкмар Адлер, Даниел Брнам, Вилијам Холабрд, Вилијам ЛеБарон Џејни итн. Многу историчари на уметност и на архитектура терминот Чикашка школа во архитектурата го користат воопштено за да го опишат брзиот урбанистички развој на градот после помеѓу 1880 и 1890.