Venise au XVIe Cartes

Giovanni Bellini

- marque le paysage artistique vénicien tt au long du XVe

- forme dans son atelier Giorgione et le Titien

- oeuvres principalement religieuses

- Il s'intéresse de plus en plus à la question de la lumière. Venise, au XVIe s., est marqué par une nouvelle génération d'artistes qui s'intéressent à la possibilité de la lumière et de la couleur pour définir les formes.

Giovanni Bellini, Vierge et l'Enfant, dite Vierge à la prairie, c. 1500, Londres, National Gallery.

I. Venise, nouveau paysage

- Bellini = artiste Vénicien, suite à la poussée ottomane, Venise se replie sur ses terres. La chute de constentinople de 1452 à marqué les esprits --> terres interieures = nouveau paysages.

- architecture est typique de ces villages vénitiens

II. V et E

Bellini adopte un parti iconographique très original : Vierge en prière devant un enfant endormi, le bras sur sa poitrine et représenté dans une attitude qui renvoie très directement à l'attitude de

la Piéta. Il transforme la Piéta en une représentation de la Vierge à l'Enfant : forme d'anticipation de la Passion à venir, accentuée par le paysage avec, dans la partie droite, un sarcophage à l'antique qui évoque l'idée de la mort et du sacrifice.

Giovanni Bellini, Vierge et l'Enfant, 1510, Milan, Pinacoteca di Brera.

I. Une relation mère-enfant profondément humaineBellini met l'accent sur la tendresse entre la Vierge et l'Enfant. Les gestes sont doux, les regards chargés d'émotion. Comme chez les artistes de la Renaissance, le sacré devient plus accessible : la scène religieuse est aussi une scène intime, presque quotidienne, lon du hieratisme du début de sciècle vc les saintes converstaion de Fra Angelico par exemple : Pala Annalena, 1430

II. Bellini = venise

- Bellini = artiste Vénicien, suite à la poussée ottomane, Venise se replie sur ses terres. La chute de constentinople de 1452 à marqué les esprits --> terres interieures = nouveau paysages.

- Mais la Vierge est séparée du paysage avec le dais de tissu tendu derrière --> Titien, dans la Vierge et l'Enfant (Gipsy Madonna), c. 1510, Vienne,

-la couleur prime sur le dessin. Les tons sont chauds, subtils, et la lumière enveloppe les figures avec douceur. Cette atmosphère crée une sensation de calme et de spiritualité diffuse, typique de Venise à cette époque

III. annonce de la Passion

- scène semble paisible, certains détails peuvent évoquer le destin du Christ (posture de l'Enfant, gravité du regard de Marie).

- Bellini suggère ainsi la future Passion sans dramatisation, en intégrant le tragique dans une image sereine.

Giovanni Bellini, Jeune femme à la toilette, 1515, Vienne, Kunsthistorisches Museum

pb : Comment Giovanni Bellini renouvelle-t-il la représentation du nu à Venise au début du XVIe siècle en inventant une image ambiguë, à la fois érotique, intellectuelle et ouverte à plusieurs niveaux de lecture ?

I. Bellini, inventeur d'un nu vénitien inédit et autonome

- L'émergence d'un genre nouveau : le nu à Venise

Bellini participe à la naissance du nu comme genre spécifique du XVIe siècle vénitien

Rupture avec les traditions strictement religieuses ou mythologiques

Le nu devient un sujet autonome

- Une évolution artistique personnelle et tardive

Œuvre de fin de carrière ---> passage d'un art influencé par la sculpture (héritage de Mantegna) à une peinture plus sensible et lumineuse

II. Une image ambiguë entre quotidien, érotisme et mystère

- absence de récit clair : un nu sans iconographie explicite

Première représentation de nu sans référence biblique, mythologique ou allégorique --> - Codes vestimentaires vénitiens (rouge, coiffure, statut marital)

- jeu complexe des miroirs et du regard --> Double fonction du miroir : reflet absent et contemplation de soi + Réflexion sur les limites de la peinture et du visible --> et --> Érotisme discret mais perceptible + Le spectateur placé dans une position de voyeur --> alors que femme mariée

III. Un nu nourri d'influences et de références multiples

- L'influence des modèles nordiques : conçu au contact de

nus qui circulaient à Venise de tableaux

nordiques. Van Eyck avait réalisé une Jeune femme à la

toilette ; un exemplaire était présent à Venise. Le jeu de

miroir est aussi l'un des grands topoi de la

peinture flamande.

- ref antique : statues antiques de Vénus

- ref humaniste : célèbrent le nu dans la poésie.

=> Ouevre énigmatique pleine de subtilité qui emprunte à diff traditionspour renouveller vc la représentation du nu dans l'art du XVIe.

Giovanni Bellini, Le Festin des dieux, 1514, Washington, National Gallery of Art.

i. choix d'un sujet érudit et complexe

- Représentation du festin des dieu

- Inscription dans la tradition humaniste et antique

- Sujet permettant une grande liberté picturale

--> oeuvre de fin de carrière qui permet de derouler son talents, ses connaissances, et de qd mm proposer qlqch de nv : la mythologie ( à principalment fait des oueuvre religieuse dans sa vie)

II. frise

- compo en frise de perso = antique

- mais réinterprété vc mise en place d'une structure narrative vc bcp de mouvement assez naturel --> impression d'un instant figé

- Mise en valeur de la beauté des figures, notamment féminine --> un peu idéalisé

III. paysage comme élément central de la peinture vénitienne

- perso pleinement intergré dans le paysage

- illustre la croissance du paysage dans la peinture vénicienne --> Annonce des grandes caractéristiques de la peinture vénitienne du XVIe siècle --> qui influence notamment son élève, le Titien : Titien, Trois âges de l'humanité, c. 1512- 1514, Edimbourg, National Gallery of

Scotland.

Giorgione, La Tempête, vers 1505-1506, Venise, Galleria

dell'Accademia

pb : Comment Giorgione, à travers La Tempête, contribue-t-il à faire du paysage un genre autonome ?

I. héritage et le dépassement de Giovanni Bellini

- - Accent mis sur la relation entre figures et nature --> dire ce q'on voit

- Reprise des innovations de Bellini en fin de carrière --> Giovanni Bellini, Le Festin des dieux, 1514, Washington, National Gallery of Art.

==> le paysage est le sujet princiaple, les perso sont pas au centre et tt petit : l'icono n'est pas identifiable --> Passage vers une autonomie du paysage

II.esthétique nouvelle fondée sur la couleur et l'atmosphère

- couleur > ligne --> pas de ligne trop marquée, forme suggérée plus que définies

- Représentation spectaculaire du ciel (éclair, nuages, lumière)

- Recherche d'effets de lumière et de vibration

==> définition d'un nv style Vénitien qui se développe + ouverture vers une peinture plus poétique et suggestive

CCL : influence sur la peinture du XVIe s, nature devinient sujet principal, couleur et impression > lignes et précision

Giorgione, Portrait de «Laure», 1506, Vienne, Kunsthistorisches Museum

pb : Comment Giorgione, à travers le Portrait de Laure, renouvelle-t-il le genre du portrait en y introduisant une dimension érotique, ambiguë et profondément culturelle dans la Venise du début du XVIe siècle ?

I. portrait novateur à la croisée des influences

- Giorgione = élève de Bellini chef de fil de la peinture vénicienne de tt le XVes : ses recherches sur le nu ex : Giovanni Bellini, Jeune femme à la toilette, 1515, Vienne

- passage d'un nu idéalisé à une sensualité plus directe

- portrait en buste, de 3/4 sur fond sombre = tradition flamande --> mais avec une touche bcp plus lisse --> italien

- Contrairement aux portrait flamands ( et certains itauens) il n'y a pas de regard avec le spécateur --> le place dans une position de voyeuriste. + jeu entre dévoilement et dissimulation = assez érotique

II. humaniste et poétique

- référence à Pétrarque, poète du XIVe, humaniste italien : crit des poèmes dans lesquels il célèbre une femme idéale appelée Laure.

--> ici identifiée grâce aux feuilles de l'aurier derrière elle

--> il s'agit alors plus d'une représentation d'une personne réel, mais d'une idée : celle de la femme idéale

--> mm chose pour Botticelli, Portrait de jeune femme, 1480-1485 --> modèle = sûrement Simonetta Vespucci mais cherche plutôt à représenter la femme idéale, dans la beauté et l'intellecte.

- La ref de Petrarque permet à Giorgione de doter son euvre d'une dimension intellectuelle et poétique à son tableau

CCl : Oeuvre novatrice qui dépasse les limites habituelle du portrait par le nu

Plus largement, cette peinture illustre le dynamisme du milieu vénitien, où, dans le sillage de Giovanni Bellini, les artistes renouvellent profondément les genres du portrait, du nu et du paysage, en ouvrant la voie à une approche plus libre, poétique.

Giorgione, Vénus endormie,v. 1508-10, Dresde, Kunsthistorisches Museum

pb : Comment gg avec Vénus endormie, témoigne t'il des évolution pictural de Venise au début du XVIe ?

I. Le nu

- Giorgione est le

premier à peindre un nu entièrement dénué de référence mythologique.

- Giorgione = élève de Bellini chef de fil de la peinture vénicienne de tt le XVes : ses recherches sur le nu ex : Giovanni Bellini, Jeune femme à la toilette, 1515, Vienne

- velouté sensuelle du corps féminin --> résultat du développment vénicien ou la couleur prime sur le trait : permet bcp + de douceur

- érotisme : pose lassive inspiré des Vénus classiques

Transition : Première représentation d'un nu féminin en pleine nature

II. Le Paysage

- le paysage prend de l'importance dans peinture vénicienne, principalement avec Giorgione lui même : Giorgione, La Tempête, vers 1505-1506, Venise, Galleria dell'Accademia --> le paysage devient quasi autonome. --> influence de son maître Bellini

- Harmini des forme corps et nature : corps comme une colline.

CCL : œuvre à l'influence durable - Modèle pour la peinture vénitienne du XVIe siècle + postérité importante jusqu'à l'époque moderne

--> Inspiration pour des artistes comme Titien

Titien, La Venus d'Urbino, 1538, Florence, Galleria degli Uffizi

I. nu dans la continuité de ses maîtres

- Titien = élève de Bellini chef de fil de la peinture vénicienne de tt le XVes : ses recherches sur le nu ex : Giovanni Bellini, Jeune femme à la toilette, 1515, Vienne

- Titien apprend au côté de Giogrione, qui est précurseur nu entièrement dénué de référence mythologique : Vénus endormie,v. 1508-10, Dresde,

-- > il reprend la position allongée de la femme ...

II. Mais en plus osé josé

.......mais la retire de son paysage idéalisé pour la mettre dans une maison bourgoise

==> espace réel = corps réel, pas une Vénus ( lagrés le titre)

- à l'arrière deux servante se hate pour l'habiller --> se sait nu

- regarde directement le spectateur → relation assumée --> n'a pas honte du regard du spéctateur et lui sourit mm !!!

- le chien à ses pieds pourrait signifier la fidélité endormie --> suggestion d'une relation entre la femme et le spectateur :)

II. Inluences sur l'hstoire de l'art

- Le tableau a beaucoup choqué et, en même temps, Titien

voit affluer les commandes.

- Titien crée un modèle qui sera repris pendant des siècles :

Influence sur des œuvres majeures comme

- Installation durable du nu féminin allongé comme thème central

→ Olympia de Édouard Manet de 1862 --> une prostitué nu sur son divan regard avec droiture le spéctateur qui la juge, sans honte.

Titien, Danaë, 1544, Naples, Museo nazionale di Capodimonte

I. nu dans la continuité de ses maîtres

- Titien = élève de Bellini chef de fil de la peinture vénicienne de tt le XVes : ses recherches sur le nu ex : Giovanni Bellini, Jeune femme à la toilette, 1515, Vienne

- Titien apprend au côté de Giogrione, qui est précurseur nu entièrement dénué de référence mythologique : Vénus endormie,v. 1508-10, Dresde,

-- > il reprend la position allongée de la femme

Grande sensualité

- bien que moins choquant que la Vénus d'Urbino, la pose est extrêmement suggestive, jambes écartées et en train de serrer le drap qu'elle retire.

- moment qui précède l'union de Jupiter et Danaé. --> sex --> gr gr

III. La couleur et le dessin

- velouté sensuelle du corps féminin --> résultat du développment vénicien ou la couleur prime sur le trait : permet bcp + de douceur

- Venise = primuté de la couleur ( vc Bellini) --> cette oeuvre est faite pour un cardinal = envoyée à Rome --> Michel Ange et VAsari, grand partisants de la lignes n'aiment pas du tt --> deux école diférente.

CCL : - Le tableau a beaucoup choqué et, en même temps, Titien

voit affluer les commande --> renaissance =/= un style et une manière, mais diff foyer

Titien, Diane et Acteon, 1556 - 1559, Londres, National Gallery of Edimbourg, National Gallery of Scotland

I. Sujet mythologique

- mythologiques. Philippe II d'Espagne décide de passer

commande d'une scène mythologique mais avec une liberté presque totale donnée à l'artiste

pour le sujet.

- Inscription dans la tradition humaniste et antique : Acteon chasseur habile surprend Diane prenant son bain. Furieuse, elle le transforme en cerf --> Actéon meurt déchiré par ses propres chiens, rendus fou de rage par la déesse --> détails du crâne de cerf sur le chapiteau d'une colonne

II. Le nu

--> scène de bains permet de déployer plrs nus ( Diane et ses prêtresses)

- corps traité vc un grand naturalisme, poses diverses et travaille sur la carnation de la peau pour un rendue top réaliste

--> Venise = école de la couleur + que la ligne --> effet velouté = scène très sensuelle

--> Titien est famous pour ses nus depuis la Vénus d'urbino (1538), aussi bien à Venise, à rome ( Danaë,1544) que dans le reste de l'Europe vc commande de Philippe II d'Espagne

III. Paysage

- apport de son maître Bellini sur la peinure du nu, mais aussi sur la peinture de paysage, qui devient aussi une spécialité vénicienne depuis renferment dans les terres ( ottomans)

- le paysage = pas juste un fond : les perso interagissent avec leur environnement et en font plainemment partie : perso sur le bain à diff hauteur et profondeur, perso contre arbre, perso qui se cache derrière colonne

--> le paysage n'est pas autonome mais il est un élément important de la naration.

- heritage de Bellini se voit clairment dans : Giovanni Bellini, Le Festin des dieux, 1514, Washington, National Gallery of Art.

--> mais ici pas de composition en frise, bcp plus naturel

--> plus de nudité

CCL : Montre les diff évolution de la peinture vénicienne : passage de thème cht à thème mythologique, travail du nu, primauté de la couleur et innovation sur integration perso/paysage

Titien, Charles Quint à Muhlberg, 1548, Madrid, Prado

I. Portrait equestre

- ref antique + idéal chevalresque médiévale

- cheval = pouvoir

- armure réellement porté par l'empreur lors de cette batailles

- mouvement, comme saisit sur le vif, s'élançant sur le champs de bataille (dont on ne voit rien d'ailleurs, tt l'attention sur lui)

II. spécificité vénicienne

- cette impression d'immédiat = grâce au paysage --> developpment du paysage vc Bellini = impression de vrai scène dans vrai paysage

- couleur > ligne = brouille la ligne stricte et fait un aspect plus naturaliste--> ne fait qu'un avec le paysage

III. Portrait politique

- victoire à la bataille de Mühlberg le 24 avril 1547.

- l'empereur est dépeint sous les traits d'un « soldat du Christ » qui prend la défense de la chrétienté attaquée de l'intérieur par le protestantisme. Il porte une longue lance qui rappelle saint Georges, qui, suivant la légende tua un dragon (animal associé aux hérétiques

le peintre flamand Pierre Paul Rubens s'inspira du tableau du Titien pour réaliser le Portrait équestre du Duc de Lerme exposé au Musée du Prado à Madrid.

--> pov diff, couleur diff, mais grande inspi de l'icono

CCL : Les œuvres de Titien ont très largement compté pour beaucoup d'artistes, notamment les artistes du siècle d'or espagnol comme Vélasquez et le portrait équestre devient à la mode

Titien, Le Concert champêtre, 1/4 XVIe, Louvre.

Titien ,La Vierge à l'Enfant avec sainte Catherine d'Alexandrie et un berger, dit La Vierge au lapin, 1530, Louvre.

I. composition innovante et naturelle

Contrairement aux compositions très rigides de la Renaissance précédente, Titien propose ici une scène plus vivante et spontanée. Les personnages sont disposés de manière fluide dans un paysage ouvert, presque comme s'ils faisaient partie du monde réel.

La Vierge n'est pas sur un trône, mais intégrée dans la nature

Les regards et gestes créent une interaction naturelle

==> illustre l'évolution vers une peinture plus humaine et accessible, caractéristique de la Haute Renaissance vénitienne.

II. importance du paysage et de la couleur

Titien est célèbre pour son usage de la couleur (le colorito vénitien), par opposition au dessin (disegno) florentin.

Les tons chauds et lumineux unifient la scène

--> Le paysage n'est pas un simple décor : il participe à l'atmosphère et à l'émotion

--> fusion entre figures et nature annonce déjà des évolutions qui influenceront la peinture européenne pendant des siècles (jusqu'au baroque).

III. symbolique subtile

L'œuvre est remplie de symboles religieux mais intégrés de manière discrète et poétique :

--> Le lapin : symbole de fécondité, mais aussi parfois associé à la pureté de la Vierge

--> Sainte Catherine : figure de sagesse et de foi

--> Le berger : présence humble qui humanise la scène sacrée

=> Titien mêle ainsi religion et quotidien, rendant le message spirituel plus proche du spectateur.

Titien, Le couronnement d'épines, 1542-1543, Louvre.

I. intensité dramatique nouvelle

- Contrairement aux représentations plus équilibrées de la Haute Renaissance, cette œuvre montre une scène violente et tendue.

- Les corps sont en mouvement, presque déséquilibrés

Les gestes sont brusques, les expressions dures

- Le Christ est entouré de bourreaux qui envahissent l'espace

==> évolution vers une peinture plus émotionnelle et théâtrale, annonçant déjà le style baroque.

II. usage expressif de la couleur et de la lumière

- Titien utilise la couleur pour renforcer le drame vc contrastes forts entre ombre et lumière (clair-obscur)

- tons sombres dominants, qui créent une atmosphère lourde

- La lumière attire l'œil vers le corps du Christ

==> La couleur ne sert plus seulement à représenter, mais à faire ressentir, ce qui est une avancée majeure dans la peinture vénitienne.

III. transformation du sacré : humanisation et souffrance

Le Christ n'est pas idéalisé --> vulnérable, presque écrasé par la scène

La douleur physique et psychologique est mise en avant

Le spectateur est confronté directement à la souffrance

==> Cela reflète une évolution religieuse et artistique où l'on cherche à impliquer émotionnellement le fidèle, en lien avec les préoccupations spirituelles du XVIe siècle.

Cette intensité et encore plus pousséedans l'oeuvre Le Couronnement d'épines de Caravage (vers 1602-1604) --> plan encore plus serré, plus de brutalité, plus de jeux de lumière dramatique

=> Titien ouvre la voie à une peinture plus expressive, tandis que Caravage pousse cette logique à son extrême en impliquant directement le spectateur = baroque !

CCL : tournant vers une peinture plus dramatique, expressive et centrée sur l'émotion, annonçant les grands développements artistiques du XVIIe siècle.

Titien, Portrait de François 1er, 1548, Louvre.

I. portrait politique et diplomatique

Ce tableau n'est pas un simple portrait : il s'inscrit dans un contexte de représentation du pouvoir. François Ier n'a probablement jamais posé pour Titien.

--> s'appuie sur des images existantes (--> prblment des médailles) pour construire une figure idéalisée du roi.

- posture stable et assurée,

- regard maîtrisé,

- richesse vestimentaire soulignée

=> portrait devient alors un outil diplomatique, destiné à circuler entre les cours européennes pour affirmer prestige et autorité.

--> montre les enjeux politique de l'art à la renaissnace

II. peinture vénitienne

Titien est un maître de l'école vénitienne, et cela se voit dans :

l'usage riche de la couleur (tons chauds, profondeur des rouges et des noirs), la texture des matières (fourrure, velours, bijoux)

- spécificité de la Renaissance vénitienne, centrée sur la couleur (colorito) plutôt que sur le dessin (disegno).

III. Comparaison avec Charles Quint

- Titien, Charles Quint à Muhlberg, 1548, Madrid, Prado

- mm periode

- deux grands souverains européens rivaux.

Mais :

--> François Ier est montré dans une pose statique et raffinée (portrait de cour),

--> Charles Quint est représenté en armure, à cheval, dans une scène héroïque et militaire.

==> le prestige aristocratique et culturel (François Ier),

la puissance militaire et impériale (Charles Quint).

Paul Véronèse, La famille de Darius devant Alexandre, 1565-1570, Londres.

I. scène historique transformée en spectacle vénitien

Le tableau représente un épisode antique : la famille du roi perse Darius se prosternant devant Alexandre le Grand après sa défaite. Mais Véronèse transpose cette scène dans un décor somptueux typiquement vénitien : costumes riches et contemporains du XVIe siècle, architecture inspirée des palais de Venise etcC..

=> cherche pas la reconstitution historique fidèle, mais crée un spectacle visuel qui parle à son époque.

- Paul Véronèse, Le Repas chez Lévi, 1573, Venise.

--> scène religieuse transformée en banquet vénitien animé et presque profane qui lui à valu un proces

==> évolution de la peinture vers plus de liberté et de mise en scène à la fin de la Renaissance.

II. génie de la composition

- Composition est complexe mais parfaitement lisible :

--> organisation en groupes de figures,

--> jeu de regards et de gestes qui guide l'œil,

--> mise en scène théâtrale avec une hiérarchie claire des personnages.

- détail célèbre : la confusion entre Alexandre et son compagnon Héphaestion, que la famille de Darius prend pour le roi. = valoriser la clémence d'Alexandre. --> rouge = Héphaestion, orange = Alexandre

III. valeurs humanistes et du pouvoir

- met en avant la magnanimité d'Alexandre :

il pardonne à ses ennemis + incarne l'idéal du prince vertueux.

==> correspond aux valeurs humanistes de la Renaissance et fait écho aux attentes des élites vénitiennes : représenter un pouvoir juste, cultivé et noble.

- La peinture devient un outil de réflexion sur le pouvoir et ses qualités.

- ex Titien, Charles Quint à Muhlberg, 1548, Madrid, Prado

Paul Véronèse, Fresque de la villa Barbaro, 1550, Maser.

I. trompe-l'œil)

Veronèse transforme les murs en fausses architectures ouvertes : colonnes peintes, balustrades, paysages imaginaires.

--> crée un effet de continuité entre l'espace réel et l'espace peint. Le spectateur a l'impression que la villa s'ouvre sur un monde idéal.

--> Cette maîtrise du trompe-l'œil illustre parfaitement la recherche renaissante sur la perspective et la représentation réaliste de l'espace.

ex : Michel Ange, Voute de la Chapelle Sixtine, 1508-1512

--> illusion architecturale (fausses structures peintes). Mais le style est différent : Michel-Ange est plus dramatique et centré sur le corps humain, alors que Veronèse privilégie la couleur, l'élégance et la vie aristocratique.

II. architecture et vie quotidienne

- La fresque est intégrée à la Villa Barbaro, conçue par Andrea Palladio.

- pas seulement des scènes mythologiques : il représente aussi les propriétaires, leurs domestiques, des animaux...

==> Cela mélange le monde idéal (mythologie) et le monde réel (vie aristocratique)

--> reflète les valeurs humanistes de la Renaissance.

- affirmer le statut social des commanditaires (la famille Barbaro) en les intégrant dans un univers cultivé et raffiné.

Paul Véronèse, Le repas chez Lévi, 1573, Venise.

I. Composition monumentale

- taille immense et son organisation spectaculaire : architecture grandiose et foule de perso = très théatrale

--> théatre = très important à Venise, à bcp influencé Veronèse

==> évolution de la peinture religieuse vers des compositions plus ouvertes, dynamiques et narratives

II. liberté face aux normes religieuses (procès de l'Inquisition)

- Commandée par les religieux dominicains de l'église Santi Giovanni e Paolo à Venise qui souhaitaient remplacer la Cène du Titien qui avait été détruite en 1571 dans l'incendie du réfectoire.

--> donc ce tableau devait à la base représenter aussi la Cène !

MAIS :

- Véronèse transpose cette scène dans un décor somptueux typiquement vénitien : costumes riches et contemporains du XVIe siècle, architecture inspirée des palais de Venise etcC..

=> cherche pas la reconstitution historique fidèle, mais crée un spectacle visuel qui parle à son époque, vc bouffons, soldats, animaux, figures exotiques...

ex : Paul Véronèse, La famille de Darius devant Alexandre, 1565-1570, Londres.

- scène religieuse transformée en banquet vénitien animé et presque profane qui lui à valu un proces de l'Inquisition !!! --> obliger de refaire, mais au final l change juste le nom pour Le Repas chez Lévi (un épisode biblique moins strict).

==> tension entre créativité artistique et contrôle religieux

CCL : Confisquée par les armées napoléoniennes, la toile est conservée 15 ans au Louvre avant d'être restituée à l'Italie à la chute de l'Empire.

Véronèse, Martyre de sainte Justine, 1574-1575, Padoue, Sainte Justine

Compo :

- Véronèse aménage un grand vide autour de la sainte : la vue est dégagée pour que

l'on comprenne immédiatement la scène représentée.

- Le sens de la mise en scène est mis au service de la célébration du martyr par

le traitement de l'éclairage : la sainte est violemment éclairée

dans sa partie supérieure.

- séparation très nette entre le registre terrestre et le registre céleste = pas d'ambiguïté dans la représentation.

ex: Le repas chez Lévi, 1573 --> au contraire très contreversé, procès et tt : il sait s'adapter

foi pdt la contre réforme

- Dans les années 1570 se développent ces grandes compositions pour mettre en valeur les

martyrs, sujets privilégiés par le concile de Trente. Sainte Justine

est l'une des patronnes de la ville de Padoue.

- Réalisée pour Padoue, la peinture s'inscrit dans un contexte de dévotion catholique renforcée par la Contre-Réforme --> valorise le sacrifice de la sainte comme exemple de foi et de résistance spirituelle.

--> palme du martyre, épée, licorne (symbole de virginité). charité envers les prisonniers chrétiens et son courage à proclamer sa foi.

==> dimension politique et religieuse : elle renforce l'identité chrétienne des cités italiennes.

Véronèse, Les Pèlerins d'Emmaüs, Louvre.

I. Scène biblique acctualisé

- Les Pèlerins = ( raconter )

- Véronèse transpose cette scène dans un décor somptueux typiquement vénitien : costumes riches et contemporains du XVIe siècle, architecture inspirée des palais de Venise etcC..

=> cherche pas la reconstitution historique fidèle, mais crée un spectacle visuel qui parle à son époque,

ex: Véronèse, Repas chez Lévi, 1573.

II. mise en scène riche et théâtrale

Composition large, architecture classique, serviteurs, invités : la scène est très animée.

--> Les gestes et regards structurent la narration, notamment le moment où les pèlerins reconnaissent le Christ.

=> œuvre insiste sur le spectacle visuel autant que sur le message religieux.

--> Véronèse = très inspiré par théatre vénicien

Véronèse, Les Noces de Cana, 1563, Louvre.

I.scène biblique transformée en fête vénitienne

- sujet religieux (le miracle de Jésus changeant l'eau en vin) est représenté comme un immense banquet somptueux.

- personnages contemporains (nobles, musiciens, serviteurs), habillés à la mode de la Renaissance.

- autoportrait dans un des musiciens avec d'autres copains

--> Le sacré est donc intégré dans un univers mondain et luxueux.

- aussi l'idéal de la Renaissance : harmonie entre religion, beauté et vie sociale. + Gout de l'annectodique.

==> Le miracle devient prétexte à une célébration du monde contemporain.

II. Composition monumentale et très organisée

- œuvre est gigantesque : presque 7mx10 donc 70m2 !!!

- structurée comme une scène de théâtre.--> L'architecture classique encadre la composition, tandis que les personnages sont répartis avec équilibre et mouvement.

- musique joue aussi un rôle central : des musiciens animent la scène au premier plan.

==> Tout est fait pour créer une impression de spectacle vivant.

--> Véronèse = très inspiré par théatre vénicien

ex : Repas chez Lévi 1573

Tintoret, Crucifixion, 1565, Scuola Grande di San Rocco, sala dell'Albergo.

I.Corps

- Tintoret est l'un des rares peintres vénitiens à s'inspirer de Rome et Florence

Influence de Michel-Ange : corps puissants, presque sculpturaux

- Mise en valeur du Christ dans un espace agité et chaotique

- un des rare vénicien aussi à flirter avec le manierisme

Mouvement

- Composition très dense avec de nombreux personnages en mouvement et mouv très différents

- = scène très dramatique

- perso inclus dans le paysage = innovation venise ( vc Bellini)

Architecture à Venise au XVIe s

- Venise voit assez tardivement arriver les formes de l'architecture classique.

- L'architecture de Venise est encore très largement marquée par des formes ouvertes, des palais qui reprennent pour l'essentiel le schéma des palais médiévaux.

- Dans les années 1530, rupture radicale à mettre au bénéfice

d'architectes qui ne sont pas vénitiens : Jacopo Sansovino

Sac de Rome par les troupes mutinées de Charles Quint

1527

Jacopo Sansovino

- formé auprès de Bramante

- début de carrière très important à Rome

- quitte Rome lors du sac de Rome en 1527

- s'installe à Venise où il va rapidement connaître un grand succès : procurateur de Saint-Marc, chargé des travaux officiels de la république de Venise.

Sansovino, La bibliothèque de San Marco à Venise (1536)

I. classicisme à Venise

- La bibliothèque introduit de manière spectaculaire les principes de l'architecture antique (colonnes, arcades, ordres superposés) dans un contexte vénitien.

- Façade rythmée par des colonnes d'ordre dorique au rez-de-chaussée et ionique à l'étage = Inspi directe de l'architecture romaine antique (comme le Colisée ou les forums)

L'intérêt pour l'art de l'Antiquité, il le décline dans un style différent pour un autre bâtiment : Palazzo della Zecca (Venise) 1548, le palais de la bourse vénitienne,

==> adoption pleine du langage classique à Venise, qui jusque-là restait influencée par le gothique.

II. cœur du pouvoir politique et culturel

Située sur la place Saint-Marc, la bibliothèque n'est pas seulement un lieu de savoir : elle symbolise la puissance et le prestige de la République de Venise.

- défi est de concevoir un bâtiment tout en horizontalité pour tenir compte d'une contrainte importante de ne pas construire un édifice en

hauteur pour ne pas que celui-ci dépasse la hauteur du palais des Doges en face ; le symbole de la hauteur est encore extrêmement puissant. Il opte alors pour un édifice extrêmement

horizontal ce qui pose pour défi de lui donner du rythme

- manuscrits précieux (notamment la collection du cardinal Bessarion)

- face au Palais des Doges crée un dialogue entre pouvoir politique et culture

==> L'architecture devient ici un outil de propagande humaniste : elle met en scène le savoir comme fondement de la puissance.

CCL : introduction et innovation de nvl forme au service du pouvoir et du prestige vénicien

Andrea Palladio, Basilique de Vicence, 1549-1614, Venise.

I. réinterprétation innovante de l'architecture antique

- ne copie pas simplement l'Antiquité: création de "serlienne" (ou baie palladienne) = une grande arcade centrale encadrée de deux ouvertures rectangulaires

Ce motif se répète sur toute la façade, créant un rythme harmonieux et lisible

==> Cette invention devient un modèle fondamental de l'architecture classique en Europe (et même plus tard aux États-Unis).

- caractère beaucoup plus épuré de l'architecture et une référence plus précise encore aux ordres de l'Antiquité, traitement moins décoratif de la façade : façade beaucoup plus épurée et

archéologique avec cette idée que l'architecture se suffit à elle-même et n'a pas besoin de décor.

--> au contraire de : Sansovino, La bibliothèque de San Marco à Venise (1536) --> bcp plus décoratif

II. transformation d'un bâtiment médiéval en chef-d'œuvre Renaissance

- La basilique n'est pas construite ex nihilo : Palladio intervient sur un ancien palais gothique.

- enveloppe la structure existante avec une nouvelle façade classique

- unifier un bâtiment irrégulier grâce à un système proportionné et cohérent --> noatment grâce au motif de la serlienne : permtd d'ajuster les espaces colonnes/baies --> irrégulier mais donne impression que c'est ok

==> exemple parfait de la capacité de la Renaissance à réorganiser l'existant selon des principes rationnels et mathématiques. --> aussi libéralisation de l'architecture, vc un architecte et pas juste maitre d'oeuvre.

Andrea Palladio, Villa Rotonda ou villa Almerico-Capra, 1566-1571, près de Vicence en Vénétie.

I. Les villas

- Recule de Venise sur ses terres avec l'avancée ottoman

- création de Villa pour de riche commanditaire comme les mythique villa suburbaine antique. --> commande d'un prélat à la retraite, Paolo Almerico.

- fait pour se retirer et se dédier aux plaisirs des lettres, de la

poésie et des arts.

- symbole d'hulanisme

II. Idéal d'harmonie et de symétrie absolue

- villa construite selon un plan parfaitement centralisé : plan carré avec une salle circulaire au centre

- quatre façades identiques, chacune avec un portique à colonnes

symétrie totale dans toutes les directions

==> Palladio applique les principes de proportion hérités de l'Antiquité et de la pensée humaniste : l'architecture reflète un ordre rationnel et universel.

III. fusion entre architecture antique et habitat privé

- s'inspire directement des temples antiques, mais pour une résidence de campagne : les portiques rappellent les temples romains, la coupole centrale évoque les grands édifices antiques

--> on peut rapprocher cette œuvre du Panthéon de Rome, 27 av.JC

- Le Panthéon est un temple religieux monumental

- La Villa Rotonda reprend cette forme (plan centré + coupole) mais pour un usage domestique

==> Cela montre une idée clé de la Renaissance : adapter les formes antiques à la vie moderne.

CCL: ideal de symétrie et de proportion pour la renaissance. transformation du modèle de temple antique en lieu d'habitation, montre la tendnace des villas.

Andrea Palladio et Vincenzo Scamozzi, Teatro Olimpico de Vicence, 1580-1585.

I. Théatre à Venise

- théatre = très important à Venise, à bcp arqué des artistes comme Véronèse.

- une des premières installation en dur, av = structure ephémère en bois

- construction en pierre, gradin en demi-cercle inclus ( pas juste la scène) et un plafond

==> une des premuère jkeheh

II. Commande à l'antique

- A Vicence, une académie

olympique avec pour mission de jouer des pièces de théâtre à l'antique.

- l'académie, celle-ci décide de commander à Palladio la construction d'un véritable théâtre sur le modèle des théâtres antiques.

- s'appuye sur les description de Viruve de théatre antique.

III. illusion perspective révolutionnaire (scénographie)

- La scène est célèbre pour ses décors en trompe-l'œil réalisés par Scamozzi :

- rues en perspective qui semblent s'étendre à l'infini

- jeu complexe sur les lignes de fuite et la profondeur

==> C'est une application directe des recherches de la Renaissance sur la perspective (héritées de peintres comme Filippo Brunelleschi).

ex: Teatro all'Antica, Lombardi, également conçu par Scamozzi :

Teatro Olimpico → fermé, richement décoré, inspiré d'un théâtre antique idéalisé

Teatro all'Antica → plus fonctionnel, adapté à une ville nouvelle, avec une scène plus simple

=> montre l'évolution vers un théâtre plus pratique et adapté aux usages modernes mais vc décor antiquisant, mais pas trop la forme

CCL : Palladio meurt un an après le début du chantier : l'un de ses anciens collaborateurs prend le relais et mène à bien ses idées.

Importance du théatre à venise, aussi bien en peinture qu'en architecture.