oeuvres : art, design, graphisme, architecture

L2 S4 Juliette Bessette

Carla Accardi (1924-2014), Marta Lonzi (1938-2008), AL70, conçue en 1970, sérigraphie sur acrylique et dispositif électrique, 116 × 30 cm : objet qu’elle a conçu avec une autre créatrice Marta Lonzi en 1970, qui est à l’origine architecte et qui est plus jeune de 15 ans. Le titre AL70 est tout simplement l’acronyme « Accardi Lonzi 1970 ». Ce qui nous intéresse c’est la collaboration d’une plasticienne et d’une architecte. Forme de design par Marta Lonzi mais elle porte les motifs signatures de Carla Accardi c’est-à-dire ses signes abstraits sur une surface translucide.

Carla Accardi, Sans titre, 1967, peinture sur Sicofoil, 100 × 380 cm, Tornabuoni Arte, Paris, Florence : elle a commencé à peindre des signes abstraits sur des toiles, puis elle est tombée sous le charme de sicofoil et la capacité qu’il a à rendre la lumière (sous forme de tableaux mais aussi sous forme d’environnement).

Carla Accardi, Triplice Tenda (Triple tente), 1969-1971, vernis sur Sicofoil, structure en plexiglas, hauteur 255 cm, diamètre 438 cm, MNAM – Centre Pompidou : Après ce passage en trois dimensions, elle va développer cette pratique et va produire des environnements avec le sicofoil.

Gae Aulenti, Lampes Pipistrello, première édition en 1965 , firme Martinelli Luce : lampe qui a été éditée pour première fois à peu près concomitamment avec l’œuvre d’Accardi ; elle est devenue iconique ; mais c’est aussi du design italien (scène phare du design). L’inspiration de l’abat-jour vient d’une silhouette d’une chauve-souris ; c’est aussi une architecte qui l’a conçue => circulation libre entre le design et l’architecture. Elle est connue en France comme l’architecte et cheffe de projet de la gare d’Orsay dans les années 1980. Il s’agit d’une collaboration entre Aulenti et la firme de design toscane Martinelli à qui elle propose son projet (Martinelli collabore avec de nombreux architectes, créateurs de l’époque). Pourquoi est-ce un objet phare de design industriel du XXe siècle ? Pour sa forme et cette lumière diffuse et homogène permises par l’usage de nouveaux matériaux ; l’abat-jour est en méthacrylate, qui est un matériau opalescent, nouvellement utilisé dans le design. Cette lampe a été rééditée depuis de 1965 de très nombreuse fois, ce qui explique qu’elle est très rependue : différentes tailles, matériaux, différents pieds (de couleurs différentes : pourpres, verts). Elle continue à être développée encore aujourd’hui dans différentes tailles permettant d’avoir un prix moindre. Objet entré dans l’histoire du design. Comme tout objet d’art célèbre, il connait énormément de contrefaçons.

Quasar Khanh, Collection « Aérospace », 1968, mobilier gonflable : Ce que l’on reconnaît c’est cette forme gonflée, typique des années 1960 : quelque chose que l’on retrouve par exemple dans la collection Aerospace du designeur Quasar Khanh, en 1968. Ici, on a l’utilisation du plastique, dans le design c’est plus banal. Néanmoins, cette idée de gonflable est devenue populaire. C’est l’un des rares artistes qui va pouvoir passer sur Télématin sur France2 et avoir un reportage (de nombreux spectateurs). On voit à quel point, la création artistique devient très populaire : il y a une vraie circulation dans l’ensemble de la société.

C’est important de voir la circulation avec le monde de la mode (Cf. Années 1980 : design, mode et tous les autres arts). On voit les liens avec les autres industries créatives avec la question du populaire : lien avec le Pop Art. L’idée de l’ingénieur « géo trouve tout du design » : expérimentation, ingénierie permettant de créer de nouvelles formes dans le design.

➭ Circulation entre ingénierie, design et architecture à cette période.

Verner Panton, Panton Chair, plastique, première production 1967 : designer danois, caractérisé par les formes souples, le vernis très éclatant. Il utilise l’ensemble des possibilités offertes par les techniques de fabrication industrielle : ici la technique de moulage, de matériau de synthèse pour obtenir cette forme nappée qui fait à la fois office d’assise et de piètement, quelque

chose d’une grande fluidité. Toujours ces formes arrondies, avec l’idée que les formes carrées, octogonales font référence au passé ; le rond faisant référence au nouvel imaginaire.

Cartlon - mini étagère, Ettore Sottsass (designer), Memphis Milano (éditeur), 1981

Richard Buckminster Fuller, Dôme géodésique de Montréal, 1967 : C’est un designer qui refusait l’idée d’architecture, il n’était pas à l’aise avec la culture architecturale, il voulait inventer des choses proches d’une certaine fonctionnalité. Il se sent plus proche de design. Principe structurel : structures autoportantes (elles se construisent depuis le bas), la structure repose sur elle-même : très légère et facilement constructible, il a mis au point cette technique à la fin des années 1940 dans l’université du Black Mountain College (lieu d’expérimentations pour les arts vivants, les arts plastiques, ect.) héritière du Bauhaus. Il l’applique à plus grande échelle, il va les commercialiser. Dépôt du brevet en 1954. En 1967, les États-Unis demandent à l’artiste de construire le pavillon de l’Exposition Universelle pour une démonstration des savoirs faire industriels étasuniens en architecture : démonstration nationaliste (cf. Tour Effel, Grand Palais). C’est un pavillon qui existe encore ; à l’époque, c’est le plus grand dôme

géodésique qui n’avait jamais été réalisé : 76m de diamètre atteint. Le pavillon est constitué de 7/10 de sphère, il est tronqué. L’espèce fait plus 56 000 m3 ; la structure est composée d’un treillis en acier permettant de réduire le poids de la structure (équilibre les formes de tensions et de compréhensions). L’artiste s’est construit une maison géodésique : échelles publiques et privées. Spécificité : principe structurel dans un contexte de nouveaux matériaux produits.

Antti Lovag, Palais Bulle, 1979-1984, Théoule-sur-Mer,
PACA : développement des espaces privés intéressant.
Habitats assez excentriques, maison construire pour
l’industriel Pierre BERNARD située à Théoule-sur-Mer,
rachetée par le couturier Pierre CARDIN qui en a achevé
la construction. Antti Lovag a construit d’autres maisons
avec des caractéristiques architecturales, typiques de la
période : le principe modulaire, idée que l’on peut agencer, moduler les choses que l’on veut, un principe dynamique malléable, évolutif => plus proches du Pop, tout est en constante évolution (s’oppose aux valeurs modernistes figées)

Jean-Paul Gaultier, Francis Menuge, Campagne publicitaire pour la collection « Une garde-robe pour deux », Prêt-à-porter Femme printemps-été 1985 : question de la mode et de la photographie de mode qui devient une activité artistique. Jean Paul Gaultier fait partie d’une génération de jeunes artistes qui veut bouleverser l’ordre établi, il veut aller à l’encontre de la haute couture trop élitiste : Chanel, Dior. Déconstruction de la mode : T. Mugler, Kenzo, beaucoup de créateurs non-français qui viennent travailler dans l’industrie du luxe et de la mode. C’est aussi la décennie phare des clips télévisuels : idée que toutes les industries créatives explosent, beaucoup de vivacité dans une industrie très populaire avec une industrie du monde de la nuit, diffusion de la drogue => diversité des industries créatives. Cf. Capsule Arte Les années 1980 aux Arts décoratifs. L’image qu’il faut qu’on garde : rien n’est impossible, idée d’effervescence créatrice très importante.

Victor Moscoso, Poster sans titre pour The Peacock Ball, 1967 : Le lien avec le monde la nuit est très présent dans le monde créateur général, quelque chose de présent dans la culture psychédélique aux États-Unis. La création de design graphique se développe dans les 1960, 1970 et 1980. Ici, une affiche réalisée par un dessinateur d’affiches et de dessins et qui représente l’esthétique du psychédélique, le lien avec la contre-culture, le mouvement hippie => augmenter le

développement des sensations, grâce à des couleurs et des dessins stimulant l’esprit et l’imagination. Ici, avec l’artiste on est à San Francisco : style psychédélique : association de couleurs assez fluos, motifs abstraits répétitifs inspirés par les hallucination dans les prises de dogues : on va rechercher une représentation intérieure au corps, comme si ces formes apparaissent de notre corps (cf. quand on ferme de nos paupières) : explosions sensorielles, avec l’association de musique, d’affiches, prise de drogues, vécues comme une expérience sensorielle artistique ; c’est aussi l’émergence du rock psychédélique. Cela rejoint le Pop Art : avec Andy Warhol qui est lié à l’activité psychédélique et qui a produit un spectacle d’Under Ground. On est dans l’explosion de la créativité de la vie.

Jean Widmer, Étude préliminaire du logo du Centre Pompidou, 1974- 1977, feutre à l’eau sur calque découpé en vignette collé sur papier vélin, 29,3 x 21 cm, Centre Pompidou