TDO XXe siècle

(détail)

Claude Monet, Les Nymphéas, 1914-1926, huile sur toile, 219 × 602cm, Musée de l’Orangerie

Comment Monet transforme-t-il la représentation du paysage en une expérience immersive, porteuse d’une réflexion sur le temps et la paix ?

I. Un paysage d’eau aux limites effacées

• 8 panneaux, env. 200 m² → nymphéas, reflets, nuages, saules

• horizon absent → perte des repères, immersion

• compo décentrée, all-over (aucun centre dominant)

• traces de pinceau, réserves de toile → matérialité visible

• inspi des jardin d’eau de Giverny (1883), passion botanique

II. Une peinture qui capte le temps et renouvelle le regard

• continuité des séries : gare Saint-Lazare (1877), meules (1890-91), cathédrales (1892-94), Pont japonais (dès 1895) → variations lumineuses

• 10 ans pour 8 panneaux

• 1GM, Monet reste à Giverny, vision très diminuée

• salles elliptiques de Camille Lefèvre, lumière naturelle, orientation est/ouest → continuum temporel

• seconde salle : tronc, espace retrouvé, composition décentrée, japonisme

III. Un monument immersif à la paix

• don à l’État le 12 nov. 1918 → paix intérieure/extérieure

• vestibule = seuil vers un espace méditatif

• installation en 1927, réception froide face aux avant-gardes

• après 1945, rapprochements avec l’expressionnisme abstrait, all-over

• André Masson (1952) : « Sixtine de l’Impressionnisme » → art comme environnement

Ccl : Monet dépasse le paysage traditionnel en faisant de la peinture un espace à vivre

—> prolongement dans la Chapelle Rothko de Mark Rothko (1971)

ATTENTION : IL MANQUE UNE COMPARAISON

Qui a conçu les salles élliptiques du musée d l’orangerie destinée à conserver Les Nymphéas de Monet ?

L' architecte en chef du Louvre, Camille Lefèvre, suivant les indications du peintre de 1922 à 1927 (Claude Monet meurt en 1926) .

Pablo Picasso, Nu sur fond rouge, 1906, huile sur toile, musée de l’Orangerie

Comment Picasso renouvelle-t-il le nu par la simplification des formes et l’évolution de son langage plastique ?

I. Un nu simplifié, entre intériorité et évolution picturale

Fond rouge uni, absence de profondeur

tête inclinée, mèche tenue → innocence, vulnérabilité

période rose après la période bleue → palette plus chaude, figures moins mélancoliques

simplification des volumes → dépassement du naturalisme

intérêt pour les arts ibériques et africains → stylisation, sans influence directe certaine sur chaque forme

II. Du visage-masque à la modernité, entre influences et diffusion

Coude déformé, sourcil-nez continus, yeux noirs en fente → hiératisme

comp. Autoportrait (Picasso, 1906) : simplification du visage

puis Les Demoiselles d’Avignon (Picasso, 1907) : fragmentation et masques → radicalisation

→ rapprochement avec masques Fang, contexte de Derain

collection Paul Guillaume (1929) → rôle des marchands dans la diffusion des avant-gardes

Conclusion: Le nu devient un laboratoire formel, trouve prolongement dans le cubisme de Picasso et Maisons à l’Estaque de Georges Braque (1908)

Qui est Modigliani ?

(1884-1920)

• 1884 : Naissance à Livourne, en Italie → nationalité italien

• 1902-1905 : Il étudie les BA à Florence et à Venise, où il découvre les maîtres de la Renaissance.

• 1906 : Il s’installe à Paris et rencontre les artistes de l’avant-garde

• 1909-1914 : S’intéresse à la sculpture, influencé notamment par Constantin Brâncuși.

• 1914-1919 : Il se consacre surtout à la peinture et développe son style caractéristique : visages ovales, cous allongés et traits épurés.

• 1917 : Sa première exposition personnelle à Paris provoque un scandale à cause de ses nus.

• 1920 : Il meurt à Paris, à 35 ans → tuberculose

→ Figure importante de l’art moderne et de l’École de Paris.

Modigliani, Femme au ruban de velours, vers 1915, huile sur papier collé sur carton, 54 x 45cm, musée de l’Orangerie

Comment Modigliani transforme-t-il le portrait en une construction stylisée, entre masque, expérimentation picturale et intériorité ?

I. Un visage-masque aux formes épurées

Visage allongé, traits simplifiés, yeux sans pupilles → regard énigmatique, figure hiératique

influence des arts africains et océaniens

prolongement des recherches sculpturales de Modigliani (Têtes, Cariatides AJOUTER SOURCES ET LIEUX) → stylisation, dépassement du portrait naturaliste

fond paysager courbe inhabituel, arbres esquissés → figure isolée

Contraste fond sombre / visage clair

II. Une peinture expérimentale entre matière et stylisation

- Huile sur papier collé sur carton

touche divisée et modulée, blanc du support visible → vibration, surface fragmentée

expérimentation de 1914-1915

comparaison avec Portrait de Diego Rivera et Portrait de Pablo Picasso (Modigliani, 1915) → divisionnisme plus radical

chevelure et ruban noirs uniformes → contraste de matière

provenance : collection Paul Guillaume (1929) → rôle des marchands dans la diffusion de l’art moderne

CCL: Le portrait dépasse la ressemblance pour devenir une synthèse formelle ouverture → les sculptures de têtes de Modigliani, où le visage-masque est exploré en trois dimensions (AJOUTER SOUCES

Modigliani, Paul Guillaume, Novo Pilota, huile sur carton collé sur contre-plaqué parqueté, 105 x 75cm, musée de l’Orangerie

Portrait du jeune marchand et mécène Paul Guillaume, réalisé au début de sa collaboration avec Modigliani → comment le peintre transforme-t-il un portrait individuel en hommage au défenseur visionnaire de l’art moderne ?

I. Une figure élégante, construite par la simplification

• Fond rouge uni ↔ silhouette sombre centrale → détachement, monumentalité

• Contours synthétiques, volumes lisses, visage anguleux, mâchoire carrée, épaule tombante → déformation expressive ≠ réalisme photographique

• Regard direct, posture assurée, costume, chapeau, cigarette → élégance, autorité ; main à peine esquissée → hiérarchie des détails

II. Un portrait-manifeste du mécène moderne

• Inscription « Novo Pilota » → nouveau pilote, guide de l’avant-garde ; figure du Roi Mage guidé par une étoile

• 4 portraits de Guillaume (1915-1916) → relation peintre-marchand, soutien matériel et diffusion de l’art moderne

• Comparaison : Picasso, Portrait d’Ambroise Vollard, 1910, conservée au musée des beaux-arts Pouchkine, à Moscou.→ fragmentation cubiste et regard fermé ≠ synthèse stylisée et regard frontal

• Collection léguée à l’État → portrait conservé à l’Orangerie, mémoire du mécène

Cvl : L’image construit autant une identité artistique qu’un visage

→ ouverture sur le rôle des marchands dans la reconnaissance des avant-gardes, notamment Daniel-Henry Kahnweiler

Qui est Henri Rousseau, surnommé le Douanier Rousseau ? Exemple d’une oeuvre ?

• Né à Laval, surnommé le Douanier Rousseau par Alfred Jarry en référence à son travail à l’octroi

• Représentant de « l’art naïf » (terme aujourd’hui remis en question)

• Autodidacte, se définit comme un réaliste

• 1885 : expose au salon des Indépendants

  • 1893 : se consacre à son art

• Reconnu par l’avant-garde : séduit Apollinaire, Picasso, Delaunay

• Banquet pour Henri Rousseau, 1968

• Catalogue : « Henri Rousseau, l’ambition de la peinture »

• S’autoproclame l’auteur du portrait-paysage -> décors sont des indices sur le portrait

• Travaille selon PARADOXE : attention minutieuse portée au détail VS liberté vis-à-vis des conventions

  • Ex : représentation réaliste du feuillage, mais ne donne pas un aspect réaliste

Henri Rousseau, dit le Douanier Rousseau, Noces, 1905, huile sur toile, 163 x 114cm, musée de l’Orangerie

Henri Rousseau, dit le Douanier Rousseau, Noces, 1905, huile sur toile, 163 x 114cm, musée de l’Orangerie

Portrait collectif inspiré de la photographie → comment Rousseau transforme-t-il une scène familiale ordinaire en une apparition étrange, entre réel et imaginaire ?

I. Une photographie de groupe déformée par la peinture

• 8 personnages en habits de fête, frontalité, immobilité, hiératisme → pose photographique, solennité

• Mariée blanche semblant flotter ; voile passant devant la grand-mère malgré la perspective → repentir volontaire, apparition irréelle

• Visages individualisés, corps simplifiés → réalisme des détails ≠ cohérence spatiale

II. Un décor stylisé qui transforme le réel

• Ciel bleu intense, arbres miniaturisés, fond ocre → profondeur incertaine ; végétation en mandorle protectrice

• Échos aux fresques médiévales et ex-voto → scène familiale idéalisée, presque sacrée (Basler)

• Chien surdimensionné au premier plan → repoussoir, fidélité, étrangeté comique

• Comp. Henri Rousseau, La Carriole du père Junier, 1908, Musée de l'Orangerie → chiens disproportionnés structurent l’espace, valorisent la jument, distorsion = logique expressive, non erreur

Conclusion :

Rousseau fait basculer le quotidien vers une vision poétique

→ Le Rêve (1910), où l’imaginaire envahit pleinement la représentation

Marie Laurencin, Femmes au chien, 1923, huile sur toile, Musée de l’Orangerie.

deux jeune femmes autour d’un animal. Couleurs délicates, décor stylisé, ouevre caractéristique de son univers féminin qu’elle développe ds les années 20 → comment Laurencin transforme-t-elle un groupe familier en un univers poétique, raffiné et ambigu ?

I. Un trio féminin entre proximité et distance

• Composition horizontale : 2 femmes songeuses, guitare, chien interposé → lien animal/femmes, mais absence d’échange des regards

• Silhouettes graciles, robes à nœuds, écharpe → féminité idéalisée, élégance stylisée

• Tons froids (blanc, vert, bleu, gris, noir) + rose et bande jaune inhabituelle → atmosphère lunaire, contraste lumineux

II. Un univers décoratif entre tradition et modernité

• Fond végétal et tissus stylisés → espace abstrait, théâtral

• Écho à l’esthétiques des fêtes galantes Ex : Antoine Watteau, Le Pélerinage à l’île de Cythère, Musée du Louvre

—> et aussi mentionner les scènes raffinées de Jean-Honoré Fragonar

• Parallèle avec l’operette Les Biches (1924, basé sur un livret du poète Jean Cocteau ) dont elle réalise les décors → continuité peinture/scénographie

• Cadre exceptionnel à miroirs et perles de verre → œuvre précieuse, lien avec clientèle mondaine (Coco Chanel, Mme Paul Guillaume)

Ccl : Laurencin associe modernité décorative et étrangeté des relations → ouverture sur Les Biches (1923), transposition scénique de son univers féminin

Qu’est ce que l’expressionisme allemand ? (dates, définition, inspirations, figures de proue )

1905-1923

L’expressionnisme allemand est l’un des mouvements artistiques allemands du début du 20e siècle qui mettait l’accent sur les émotions ou les pensées internes de l’artiste plutôt que sur l’imitation de la réalité. L’expressionnisme allemand cherche davantage à exprimer le monde qu’à véritablement le montrer. L’experssionisme artistique, terme trans-historique, devient au XXe une véritable philosophie, au delà du simple style pictural.

→ On peut rattacher les peintres des XVe et XVIe siècles, Matthias Grünewald et Le Greco, à la tendance expressionniste par ex

Filiation forte avec le fauvisme, dans le style mais aussi ds les sources d’inspi : le primitivisme (avec le développement des musée d’ethno, en lien avec l’empire colonial), et l’expressionisme norvégien (ex :Edvard Munch, Le Cri, 1893, tempera et pastel (une des 5 version), Oslo.)

Le terme « expressionnisme » (Expressionismus en allemand) vient du critique d’art Wilhelm Worringerlors du salon annuel de 1911 de la sécession berlinoise. Cet art s’oppose à l’art officiel protégé par Guillaume II, 3e empereur allemand (r.1888-1918).

Les premiers éléments annonciateurs de l'expressionnisme apparaissent à la fin du XIX^e siècle, en particulier dans la série d'Edvard Munch intitulée Le Cri, ainsi que dans l'évolution des travaux de Van Gogh et de James Ensor

Exemples de peintres et oeuvres expressionistes du XVIe et XVIIe siècle ?

Mathias Grünwald, Retable d’Issenheim, Première ouvertue : accomplissement de la nouvelle loi, 1512-1516, tempera et huile sur bois, musée Unterlinden de Colmar.

Le Greco, Laocoon, vers 1610, Washington, National Gallery of Art.

Quelles sont les dates de reigne de Guillaume II, dernier empereur allemand et 9e roi de Prusse ?

r. 1888-1918 (abdication)

D’où naît le terme “expersionnisme” ?

Du critique d’art Wilhelm Worringerlors du salon annuel de 1911 de la sécession berlinoise.

(Expressionismus en allemand)

Edvard Munch, Le Cri, 1893, tempera et pastel (une des 5 version), Oslo.

Franz Marc, Cheval dans un paysage (Pferd in Landshchaft), 1910, huile sur toile, Essen : musée Folkwang

Pb:

Couleur

→ La couleur dans l’art expressioniste joue un rôle essenciel. Couleur vives, subjectives et non mimétique forme la puissnace visuelle recherché par les artistes expressionistes pour exprimer le monde plutôt que le montrer fidèlement.

• cheval rouge = non mimétique → Paul Gaugin, Arearea, 1882, huile sur toile, musée d’Orsay → chien rouge avait été moqué par la critique

• Rouge contraste vc crinière bleue : complémentarité qui intensifie les couelur d’après → Michel-Eugène Chevreul, De la loi du contraste simultané des couleurs, 1839. → contraste de valeur

Violence des contrastes, la crudité des tons et la vigueur de la touche, influencées par le fauvisme français

=> Autonomie progressive de la couelur dans l’art du XXe

Forme

→ Si couleur = important, les expression formelles contribue tt autant à l’expression artistique de Franz Marc

• cadrage serré, sans ligne d’horizon → caractéristqiue fauve → fait entrer le spéctateur dans la peinture

• Max Pechstein, In den Dünen (Dans les dunes), 1911, Centre Pompidou

→ Jeux de courbe dans un paysage en harmonie avec les êtres qui l’habite, ici avec lignes courbes du cheval + même couleurs jaune, rouge et verte qui unissent les élements

→ Pechstein = artiste de die Brücke (1905-1913) un des deux groupes de l’expressionisme alld, l’autre étant le Der Blaue Reiter (1911-1914) que co-fonde Franz Marc.

• Cheval à la place d’humain : hautement symbolique, n’a pas rompu le lien originel avec la nature. Cheval = son sujet de prédilection, associé à la valeur symbolique du bleu et à l’interet de Kandinsky pour les cavalier et la figure du Saint-George donne le nom au groupe der Blaue Reiter fondé en 1912 → expression de l’interiorité de l’artiste est un élément majeur

Quelles sont les dates de fondations et de dissolution des groupe Die Brücke et Der Blaue Reiter ?

Die Brücke :

• formé à Dresde le 7 juin 1905

• 1913 dans le catalogue de la dernière exposition Chronik der Brücke

Der Blaue Reiter:

• 1912 (ap tenssion dans la NKVM, et ap rejoint par Franz Marc et August Macke)

• 1914 (1er Guerre Mondiale)

→ Marc et Macke sont rapidement tués dans les combats, tandis que Kandinsky et Jawlensky sont forcés de rentrer en Russie.