El arte del Renacimiento italiano y su influencia: Notas Detalladas

Introducción

• El Renacimiento fue formulado por el historiador Jacob Burckhardt, refiriéndose a un movimiento cultural en Europa Occidental durante la transición de la Edad Media a la Edad Moderna.
• El contexto histórico incluyó cambios económicos, sociales y políticos, como el surgimiento del capitalismo, la burguesía y los Estados modernos.
• El estilo artístico renacentista se define por:
  • Recuperación de valores de la Antigüedad clásica.
  • Exaltación de la naturaleza.
  • Visión antropocéntrica del mundo.
  • Sometimiento del arte a leyes matemáticas.
• Se distinguen dos etapas: Quattrocento (siglo XV) y Cinquecento (siglo XVI).
• El Renacimiento se originó en Italia y se difundió por Europa, con una síntesis del Renacimiento italiano y el espíritu medieval religioso en España.
• El tema permite comprender la transición del ser humano entre dos grandes etapas históricas, volviendo al camino de la ciencia y la lógica inaugurado por la filosofía griega.

Contexto Histórico, Localización y Evolución Artística, Características Generales

Historiografía

• Giorgio Vasari (1511-1574) empleó el término Renacimiento en "Las vidas de los más excelentes pintores, escultores y arquitectos (1550)" para referirse a un movimiento que resucitaba los valores espirituales y estéticos de la Antigüedad clásica.
• A finales del siglo XVIII, la enciclopedia francesa recogió esta idea como Renaissance, consolidando la noción de una Edad Antigua brillante, una Edad Media decadente y un resurgimiento cultural en la Edad Moderna.
• Jacob Burckhardt (1816-1897) definió el Renacimiento como una época de ruptura con el oscurantismo medieval, renovación del arte y las letras, recuperación de los clásicos y un uso novedoso de la razón.
• Eugenio Garin (1909-2004) reconoció que el humanismo no negaba los valores religiosos medievales, pero subrayó la ruptura producida en el tránsito a la modernidad.
• Jacques Heers (1924-2013) defendió que las manifestaciones renacentistas ya estaban presentes en los siglos medievales, considerando la idea de fractura como una invención de los humanistas italianos y los historiadores protestantes.
• Ambos historiadores coincidieron en que el Renacimiento implicó una contraposición con la Edad Media, ya sea por evolución o ruptura radical.

Contexto Histórico

• La crisis de los siglos XIV-XV, con hambres, pestes, guerras, conflictos sociales y decadencia económica, fue el contexto en el que apareció el Renacimiento.
• Surgieron nuevas estructuras de pensamiento y organización sociopolítica y económica que posibilitaron la entrada en una nueva etapa histórica.
• El desarrollo de una economía monetaria vinculada al comercio a larga distancia, la aparición de la burguesía y la formulación de monarquías autoritarias fueron clave para el paso a la Edad Moderna.
• El arte se independizó del estamento religioso, y el patronazgo artístico fue ejercido por una burguesía de comerciantes y banqueros enriquecida con las primeras formas capitalistas.
• Surgieron los mecenas, personas poderosas que protegían a los artistas y les daban apoyo económico; los más importantes fueron la Iglesia católica, los banqueros y comerciantes italianos, y los reyes y sus cortes fuera de Italia.
• Con estos mecenas, el arte renacentista se vio inmerso en un proceso de secularización.
• El desarrollo de las universidades estimuló la recuperación del pensamiento grecolatino y la difusión del humanismo.
• Con el humanismo progresó un ideal individualista de la cultura y un profundo interés por la literatura clásica, que dirigió la atención sobre los restos monumentales clásicos.
• La invención de la imprenta facilitó la difusión de las ideas humanistas.
• El Renacimiento tuvo su foco de origen en Italia debido a la falta de unión territorial y administrativa, el fortalecimiento de la conciencia cultural italiana y el desarrollo de una rica burguesía en ciudades como Florencia, gracias al patronazgo de familias como los Médicis.
• La caída de Bizancio en 1453 llevó a muchos sabios ilustres portadores del bagaje cultural clásico a Italia.
• También influyó la cercanía del clasicismo del antiguo Imperio romano.
• Fuera de Italia, los fundamentos del Renacimiento se expandieron de forma más tardía, gracias al trasiego constante de artistas que actuaron como transmisores.

Evolución Artística y Características Generales

• Características comunes a las manifestaciones artísticas del Renacimiento:
  • Valoración de la Antigüedad clásica: El mundo clásico proporcionó modelos a seguir, reinterpretándolos y superándolos. Esto derivó en la persecución de un naturalismo idealizado, la irrupción de la temática mitológica y la búsqueda de la belleza. Se recuperaron formas arquitectónicas, motivos formales y plásticos, antiguas creencias y elementos simbólicos del clasicismo.
  • Exaltación de la naturaleza: La naturaleza se convirtió en el eje de observación del mundo, manifestándose en la construcción de villas en el campo, la creación de jardines y la búsqueda de una estética natural. También causó el desarrollo del espíritu científico y su énfasis por aprender mediante la experimentación con la naturaleza. Surgió la figura del genio polifacético que dominaba todos los campos del saber. El conocimiento buscado en la naturaleza era práctico: conocer para dominar.
  • Visión antropocéntrica del mundo: El Renacimiento se caracteriza por una visión antropocéntrica del mundo frente al teocentrismo medieval; el ser humano se convierte en centro de la creación y medida de todas las cosas. Como el arte es esencialmente producto de una cultura, el Renacimiento exige en el artista una formación científica e intelectual, lo que aumenta la valoración social del artista.
  • Sometimiento del arte a las leyes matemáticas: Las matemáticas se convirtieron en el eje conductor de la nueva estética, preocupándose por fundamentar racionalmente su ideal de belleza. Los artistas buscaban la perfección de proporciones y las formas geométricas en sus obras. Una plasmación directa de este fenómeno es la aparición del sistema de perspectiva, propuesto por primera vez en Florencia por Brunelleschi. A lo largo del Quattrocento se empleó la perspectiva lineal, y Leonardo da Vinci aportó la perspectiva aérea, dando lugar al sfumato. Se recuperaron los ideales clásicos de búsqueda de la proporción, belleza y armonía.
• Desde el punto de vista de la evolución artística general de Europa, el Renacimiento supuso una ruptura con la unidad de los grandes estilos románico y gótico.
• Su desarrollo cronológico tuvo lugar en dos fases diferenciadas:
  • Quattrocento (siglo XV): Fase temprana del Renacimiento donde los artistas luchan por el dominio de la técnica; es una etapa experimental. Florencia se convirtió en un "laboratorio" donde los artistas van a realizar sus investigaciones en arquitectura, pintura y escultura.
  • Cinquecento (siglo XVI): Fase donde la forma artística alcanza las más altas cotas de equilibrio y perfección. Roma y Venecia desplazaron a Florencia como centro de las artes. Esta etapa desembocó, hacia 1520-1530, en una reacción que conforma el manierismo: fase de inicio de la decadencia y ruptura de la forma equilibrada y perfecta del clasicismo.

Grandes Obras de la Arquitectura Italiana. Florencia

La Arquitectura del Quattrocento

• La arquitectura renacentista nace de la admiración por las ruinas romanas y de la lectura de la obra de Vitruvio, Tratado de Arquitectura.
• El edificio renacentista es el resultado del cálculo de la proporción, el orden, la simetría, la armonía y la diafanidad.
• Como soportes se utilizaron las columnas, los pilares muy desarrollados y las pilastras, todos ajustados a los órdenes romanos, aunque introduciendo algunas libertades.
• El arco, que se empleó tanto como elemento constructivo como decorativo, era de medio punto.
• Las cubiertas fueron adinteladas y abovedadas, y el uso de la cúpula se hizo recurrente.
• Los elementos decorativos eran tanto tectónicos como esculpidos, esgrafiados o pintados sobre estucos, con formas que se inspiraban en la Antigüedad.
• La gran variedad tipológica comprendía desde iglesias de planimetría tradicional hasta edificios civiles como las villas, palacios, hospitales, etc.
• Filippo Brunelleschi (1377-1446) fue el primer gran arquitecto del Renacimiento italiano.
  • Construyó sus edificios con elementos arquitectónicos clásicos: arcos de medio punto, bóvedas de cañón, columnas y pilastras, frontones, etc.
  • La cúpula de la catedral de Florencia, inspirada en la del Panteón de Roma, fue su primera gran obra. La disposición de dos casquetes superpuestos permitía optimizar los sistemas de empujes y cubrir un espacio muy amplio.
  • Entre sus obras también destacan la iglesia de San Lorenzo y la capilla Pazzi.
• Leon Battista Alberti (1404-1472) encarna al artista científico y erudito del primer Renacimiento; este humanista teorizó sobre arquitectura en su tratado De re aedificatoria.
  • Sus iglesias son la praxis de su obra teórica, símbolo de la unificación entre clasicismo y cristianismo.
  • Hizo también descripciones urbanísticas, por lo que fue solicitado como asesor en Pienza.
  • Alberti renovó la tipología palacial y fijó el modelo de palacio renacentista.
  • Sus villas eran construcciones de pequeña altura que quedaban perfectamente integradas en el paisaje.
• Otros arquitectos importantes del Quattrocento fueron Michelozzo Michelozzi (1396-1472) y Giuliano da Sangallo (1445-1516).

La Arquitectura Durante el Cinquecento

• Durante el Cinquecento, la arquitectura ganó en monumentalismo y se llevó a cabo una imitación de los modelos clásicos más fiel que en las décadas precedentes.
• Donato Bramante (1444-1514) fue el introductor de las nuevas formas en Roma, donde realizó su obra más relevante: el planeamiento de la basílica de San Pedro.
  • También de planta centralizada es el pequeño templete de San Pietro en Montorio.
  • En sus obras podemos apreciar la severidad y la maestría constructiva que caracterizan su estilo peculiar.
• Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) fue un genio polifacético que cultivó todas las artes, pero, ante todo, él se definía como escultor; por ese motivo su arquitectura y pintura presentan un fuerte carácter escultórico.
  • Como arquitecto expresa ya un cambio hacia el manierismo.
  • Trabajó en San Pedro del Vaticano, aportando al proyecto original su gran cúpula inspirada en la de Florencia.
  • Obra suya es también la biblioteca Laurenciana, cuya escalera manifiesta profundas dosis manieristas.
• Jacopo Vignola (1507-1573) fue arquitecto y tratadista, además de autor de fascinantes villas de tipo clásico con aportaciones manieristas.
• Andrea Palladio (1508-1580) fue el más importante arquitecto de la República de Venecia.
  • Continuador del estilo de Bramante, es considerado ya un arquitecto manierista por su carácter más decorativo y exuberante.
  • Sus villas de campo y otras obras ejercieron una enorme influencia en la arquitectura neoclásica.
  • Su tratado, Los cuatro libros de arquitectura, alcanzó una enorme difusión por toda Europa, al fijar una serie de modelos arquitectónicos muy recurrentes a lo largo del tiempo.

Grandes Pintores y Escultores del Renacimiento y del Manierismo

Evolución de la Escultura

• La escultura cuatrocentista tuvo como modelo la escultura clásica.
• El Renacimiento supuso, para la escultura, una liberación del marco arquitectónico respecto a la estatutaria medieval.
• Se emplearon diversos materiales (piedra, madera, terracota, bronce…), con los que se alcanzó una gran perfección técnica.
• Los géneros más utilizados fueron la escultura exenta en bulto redondo y el relieve.
• El relieve tuvo un carácter abiertamente pictórico, y se ajustó a las leyes de la perspectiva lineal, consiguiendo complejos efectos de profundidad.
• Los esquemas compositivos fueron, por lo general, simples y geométricos, basados en la proporción de elementos y en el equilibrio.
• Existió un gran interés por la belleza formal, fundamentada en la proporción y la armonía.
• Se dominó la representación del cuerpo humano: renace el desnudo, y proliferan los tratados sobre las proporciones basados, en general, en las teorías de Policleto aplicadas con flexibilidad.
• Sus temas fundamentales, el ser humano y la naturaleza, respondían a un contenido tanto religioso como profano; proliferaron los retratos, reales y heroicos, de cuerpo entero o busto, ecuestres, etc.
• Lorenzo Ghiberti (1378-1455) fue el primero en hacer uso de la escultura naturalista en Florencia, al labrar las puertas del baptisterio de Florencia ("Las puertas del Paraíso", según Miguel Ángel).
  • En ellas empleó la técnica del schiacciato.
• Donatello (1386-1466) fue el más grande escultor cuatrocentista, y junto con Masaccio, Alberti y Brunelleschi, uno de los padres del Renacimiento italiano.
  • Utilizó el sistema de proporciones de la Antigüedad y el schiacciato.
  • Su David y el San Jorge de Orsanmichele manifiestan perfectamente el uso del naturalismo idealizado de tradición clasicista.
  • Su escultura, Gattamelata, inspirada en la ecuestre de Marco Aurelio, se convirtió en modelo a imitar por toda la escultura ecuestre renacentista.
  • En su última etapa, Donatello abandonó en parte el ideal de belleza para reforzar su sentido expresivo.
• Luca della Robbia (1400-1482) figura el uso de la terracota vidriada y policromada como material escultórico
• Miguel Ángel fue el máximo protagonista de la escultura del Cinquecento.
  • La obra escultórica del gran genio renacentista se caracteriza por el monumentalismo y colosalismo de sus figuras, dotadas de una gran fuerza expresiva y tensión dramática: la llamada terribilitá.
  • Es también característico, en sus composiciones, el equilibrio entre la masa y el movimiento.

Desarrollo de la Pintura

• El problema que plantea el desarrollo de la pintura renacentista es la ausencia de modelos de la Antigüedad; por este motivo, la pintura partió de las experiencias del Trecento, pero aportó grandes modificaciones que sentaron las bases de la pintura moderna.
• La preocupación por lograr verosimilitud llevó a estos pintores a preocuparse por el modelado, que consiguieron con efectos de luces y sombras.
• Una de sus principales aportaciones fue la construcción racional del espacio mediante la perspectiva.
• La denominada generación experimental de pintores hace referencia a un conjunto de artistas que establecieron los principios de la pintura moderna.
  • A esta generación pertenece Masaccio (1401-1428), que fue el primero en introducir la perspectiva en la pintura.
  • Piero Della Francesca (1415-1492) centró su preocupación en los juegos de luces y sombras, y en la representación de la proporción del cuerpo humano.
  • Paolo Uccello (1397-1475) se sintió atraído por la representación de la perspectiva y del movimiento.
  • Andrea Mantegna (1431-1506) fue, seguramente, el más completo de los pintores cuatrocentistas de la generación experimental; supo sintetizar como ningún otro los nuevos hallazgos con la pintura de Flandes, con lo que sentó las bases de la escuela veneciana del color.
• Así mismo, en cronologías similares existió un conjunto de artistas continuadores de la tradición pictórica del gótico, entre los que destaca Fra Angélico (1395-1455).
• La generación de pintores de fin de siglo se ocupó de manera especial en la búsqueda de la belleza; a ella pertenecen Domenico Ghirlandaio (1448-1494), Luca Signorelli (1445-1523), Fra Filippo Lippi (1406-1469), Pietro Perugino (1446-1523) y Sandro Botticelli (1445-1510).
  • Este último dotó a sus personajes de suaves rostros y creó un prototipo de belleza femenina donde plasmaba el amor platónico predicado por Marsilio Ficino.
• Leonardo da Vinci (1452-1519) constituye el paradigma de genio polifacético que domina todos los campos del saber; se dedicó a la arquitectura, al dibujo, a la pintura, al estudio de la anatomía, a la botánica y a la filosofía y, además, fue inventor, músico, escritor, poeta, científico e ingeniero.
  • Usó el método científico en la observación de la naturaleza y lo plasmó en sus obras teóricas; así nos los muestra en el tratado De Pintura.
  • Una de sus grandes aportaciones en el campo pictórico fue la perspectiva aérea, que degrada los objetos en tamaño y nitidez, proporcionando su característico sfumato, en un intento por captar la “atmósfera” y obtener sensación de profundidad; también concibe la luz como una fusión del negro y del blanco (claroscuro), lo que se traduce en la pérdida de importancia del dibujo en beneficio del color.
• Miguel Ángel, como pintor, fue un claro predecesor de los manieristas.
  • Su obra magna es la decoración de la Capilla Sixtina, donde combinó de manera magistral su faceta de escultor, pintor y arquitecto, encuadrando las escenas de sibilas, profetas, ignudi (jóvenes desnudos) y el Génesis, entre falsas arquitecturas.
• Rafael Sanzio (1483-1520) es reconocido como uno de los pintores que mejor encarnan el clasicismo.
  • Aparte de su producción pictórica, contribuyó de forma relevante a la arquitectura de su época y fue inspector de antigüedades.
  • Sintetizó lo mejor de los dos artistas anteriores y aportó su sello personal.
  • En su pintura, de carácter amable y colorista, hizo uso de composiciones geométricas bien estudiadas.
• En el siglo XVI, Venecia se convirtió en uno de los grandes centros artísticos de Italia, especialmente en lo que a pintura se refiere.
  • La escuela veneciana se caracteriza por un predominio absoluto del color sobre la línea, además de por la gran importancia que adquiere el paisaje, dotado por estos pintores de una racionalidad casi matemática.
• Giorgione (1477-1510) es considerado el fundador de la escuela veneciana.
  • De su obra sobresale la técnica suelta y la importancia concedida a la luz y al color.
• Tiziano (1490-1576) fue uno de los mayores exponentes de la escuela veneciana por su versatilidad y dominio del color.
  • Cultivó una amplia variedad de temas; especialmente admirables resultan el Martirio de San Lorenzo, La bacanal y el retrato de Carlos V en Mühlberg.
• Veronés (1528-1588) fue el pintor del lujo veneciano en extraordinarios escenarios, naturales o arquitectónicos, con un colorido muy rico y un intenso tratamiento de la luz, como se aprecia en Moisés salvado de las aguas del Nilo.
• Tintoretto (1518-1594) sobresale por su tensión dramática, semejante a la de Miguel Ángel, que le sitúa en la frontera con el manierismo; dentro de su producción destaca El lavatorio.

El Manierismo

• El manierismo se enmarca en un contexto histórico de crisis, como fue la Reforma protestante y el inicio de la era de violencia, de la que fue muestra el Sacco di Roma, de 1527, que ocasionó una regresión del humanismo y puso en cuestionamiento el ideal de vida renacentista.
• Esta situación introdujo importantes novedades en el plano artístico: la forma abandonó el equilibrio; también se abandonó el lenguaje sencillo clasicista por temas y composiciones complejas de muy difícil entendimiento.
• El manierismo fue, más que otros, un estilo intelectual y elitista.
• El origen de su nombre se debe a la consideración, tradicional en la historiografía, de que el artista se limitaba a copiar a los genios alla maniera, de donde se deriva su etimología.
• En la pintura manierista las figuras humanas adoptaron un canon alargado y estilizado, amanerado, los cielos se volvieron tormentosos y los colores se tornaron vivos, como muestra Parmigianino (1503-1540) en la Madonna dal collo lungo.

Especificidad del Siglo XVI Español. Tradición y Renovación: Arquitecturas Plateresca y Herreriana

El Siglo XVI y la Introducción del Renacimiento en España

• Existe controversia en torno a la expansión de Renacimiento en España.
  • Por un lado, la historiografía alemana, con Jacob Burckhardt a la cabeza, niegan su existencia en el territorio peninsular, al considerar que el arte hispano del siglo XVI no rompe con la tradición anterior.
  • por otro lado, autores como Marcel Bataillon (1895-1977), José Antonio Maravall (1911-1986) y Miquel Batllori i Munné (1914-2003) sí que aceptan la introducción y difusión del Renacimiento italiano en España, fenómeno que pudo obedecer a causas variadas.
• La desconfianza en el modelo clásico-pagano desarrollado en Italia determinó, en un principio, el mantenimiento de unas formas de hacer góticas, sobre todo en la denominada arquitectura oficial propiciada por los Reyes Católicos y la Iglesia, que convivieron con las primeras formas renacentistas, configurando un estilo absolutamente novedoso que perduró más allá de la mitad del siglo XVI, momento en que el Renacimiento, asimilado plenamente, empezó a desplazarlas.

Desarrollo de la Arquitectura Hispana en el Siglo XVI

• Los historiadores del arte Hugh Honour (1927-2016) y John Fleming (1919-2001) dividen la arquitectura española renacentista en tres estilos: plateresco, purista y herreriano (Honour y Fleming, 2023).
• El plateresco
  • El estilo plateresco se desarrolló fundamentalmente en el primer tercio del siglo XVI. El término se debe a la abundante decoración de las fachadas, que recuerda a la labor de los plateros.
  • Como continuador del estilo Reyes Católicos, muestra un total protagonismo de las fachadas, profusamente decoradas con medallones y figuras heráldicas; los elementos clásicos, como los arcos de medio punto, conviven con arcos carpaneles y conopiales representativos del gótico.
• El estilo purista
  • A partir del segundo tercio del siglo XVI podemos empezar a hablar de purismo.
  • En 1526 se publicó el libro de Diego de Sagredo (1490-1528), Medidas del Romano primer tratado de arquitectura renacentista fuera de Italia; muy similar a la obra de Alberti, De re aedificatoria.
• El estilo herreriano
  • El estilo herreriano se inició en el último tercio del siglo XVI, y se configuró como el estilo propagandístico de los Habsburgo y de la Contrarreforma en España. Está basado en el colosalismo y la monumentalidad; se trata de un estilo sobrio que aporta un sentido estático y ordenado, de austeridad decorativa, tanto externa como interna, reducida a unas pirámides coronadas por bolas.
  • Tiene su origen en el monasterio de San Lorenzo de El Escorial mandado construir por Felipe II en conmemoración de la victoria española de San Quintín (1557).

Escultura y Pintura en el Renacimiento Español. El Greco

La Escultura Renacentista en España

• El primer tercio del siglo XVI estuvo caracterizado por la presencia, en España, de artistas italianos dentro de la estética del Quattrocento florentino, que fueron desplazando progresivamente la tradición gótica.
• A lo largo del segundo tercio del siglo del XVI se desarrolló en nuestro país la escultura renacentista purista, representada por Alonso de Berruguete (1490-1561) discípulo de Miguel Ángel, quien tomó de su maestro la fuerza y la tensión dramática; también empleó formas serpentinatas, al igual que los manieristas.
• El tercer tercio del siglo XVI trajo consigo una escultura propagandística y académica, cuyos mejores representantes fueron los milaneses Leoni. La solemnidad, serenidad, equilibrio, lujo de materiales y virtuosismo técnico son las características que la definen.

El Desarrollo de la Pintura y la Figura del Greco

• La pintura española del primer tercio del siglo XVI fusiona lo italiano con la tradición flamenca anterior
• En el segundo tercio del siglo XVI la influencia italiana es mayor, sobre todo de Rafael, como muestra Juan de Juanes (1507-1579), autor de La lapidación de San Esteban.
• el Greco (1541-1614), el más manierista de los pintores. Doménico Theotocopoulos nació en Candia (Creta) y se formó en la influencia bizantina, que se aprecia en el empleo de la maniera greca y en el uso de figuras que manifiestan una belleza idealizada con un canon alargado y estilizado, bastante amanerado.

Renacimiento Europeo

• El Renacimiento europeo no surgió como resultado de una conjunción de circunstancias específicas que lo hicieron posible, como había ocurrido en Italia; de hecho, la diversidad tanto política como cultural que ofrecía Europa respecto a la situación italiana explica que, mientras en Europa se seguía la tradición del gótico internacional, en Italia se estaba codificando un nuevo lenguaje y una nueva forma de representación.
• La difusión se realizó mediante la exportación de los modelos italianos; en esta labor jugaron un papel fundamental los grabados, reproducidos rápida y abundantemente gracias a la imprenta, que divulgaban las obras de los maestros italianos, así como los viajes constantes de artistas europeos a Italia.
• En el norte de Europa, Alemania y los Países Bajos es evidente la influencia de la erudición y el saber italianos; no obstante, el movimiento cultural humanista dirigido por Erasmo de Rotterdam (1466-1536) estuvo, en esta zona, más preocupado por temas de religión y piedad personal de lo que lo estuvo en Italia.
• En Francia, la monarquía vio en el arte la posibilidad de afianzar su prestigio y su influencia cultural. Así, el Renacimiento francés estuvo ligado principalmente, aunque no de forma exclusiva, a la acción de la monarquía.
• En Inglaterra y Escocia, el arte del Renacimiento estuvo unido a la actuación de la Corona. El tema que domina este Renacimiento es la estrecha relación entre política y cultura.

La Mujer Artista en el Renacimiento

• La figura de la mujer en la historia del arte ha estado asociada al concepto de musa, es decir, aquella que posaba frente al pintor, su modelo y fuente de inspiración. Sin embargo, en el Renacimiento hay constancia de mujeres pintoras, Giorgio Vasari dio constancia de algunas de ellas.
• Entre las pintoras más destacadas de este período figuran: Sofonisba Anguissola, Lavinia Fontana y Bárbara Longhi.
• Sofonisba Anguissola (1535-1625) está considerada como la primera mujer pintora del Renacimiento.
• Lavinia Fontana (1552-1614) fue una de las retratistas más importantes del manierismo. El grado de detalle de sus retratos le valió la protección de la curia y la nobleza romanas, fue una de las primeras mujeres pintoras que fue tratada en igualdad con sus colegas masculinos.
• Bárbara Longhi (1552-1638) sólo fue conocida en el área de Rávena, su obra está compuesta en su mayoría por representaciones de la Virgen y el Niño.

Conclusión

• Hemos estudiado el arte del Renacimiento; sin duda, un estilo artístico de capital importancia en la historia del arte que supone un renacer del arte clásico.
• En definitiva, el Renacimiento supone el despertar de la razón, la ciencia y la vitalidad, frente de una edad media espartana, dominada por la religión, a la par que atemorizada por esta.

Uso Didáctico del Tema

• De acuerdo con la normativa vigente, Real Decreto de enseñanzas mínimas 217/2022 en ESO, Real Decreto de enseñanzas mínimas 243/2022 en Bachillerato, y del Decreto/Orden1 “…” que establece el currículo en la comunidad autónoma de “…”.
• Este tema puede trabajarse en la materia de Geografía e Historia en la ESO y en la materia de Historia del Arte en 2º Bachillerato.
• En el proceso de enseñanza y aprendizaje del tema las decisiones metodológicas requieren una planificación cuidadosa para organizar el desarrollo de los contenidos y adecuar las competencias específicas que se evaluarán.