Apuntes Exhaustivos de Historia del Arte: Azken Joerak (1945-Actualidad)

Metodología de Estudio para el Examen de Azken Joerak ($1945$ - Actualidad)

Para afrontar con éxito la evaluación de esta materia, el estudiante debe ser capaz de cumplir con cuatro objetivos fundamentales ante cualquier obra presentada. Primero, es imperativo identificar con precisión al artista, el título de la obra, la fecha de ejecución y el movimiento artístico al que pertenece. Segundo, se debe desarrollar una explicación profunda del contexto tanto histórico como artístico que rodea la creación. Tercero, el análisis de la obra debe ser exhaustivo, abarcando los materiales empleados, las ideas subyacentes, el mensaje pretendido y la configuración formal. Finalmente, se exige la capacidad de comparar las dos obras que se presenten de manera conjunta en el examen.

Para facilitar este proceso, estos apuntes se estructuran siguiendo un esquema fijo que incluye el contexto histórico, el movimiento artístico, las ideas clave del autor, una explicación detallada de la obra y pautas específicas de comparación. Se busca que el estudiante no solo memorice datos, sino que comprenda la evolución del arte desde la posguerra hasta la globalización contemporánea.

Línea Cronológica General: Del Trauma de la Guerra a la Revolución de los $60$

El periodo comprendido entre $1945$ y $1960$ está marcado por el fin de la Segunda Guerra Mundial y el inicio de la Guerra Fría. Este es un tiempo definido por el trauma bélico, el miedo nuclear constante y el surgimiento de Estados Unidos como la nueva hegemonía cultural, desplazando a París. En este contexto, el auge de la televisión, el cine experimental y el inicio de la cultura de masas influyeron notablemente en movimientos como el Expresionismo Abstracto, el Cine Experimental, la música experimental, la Neo-vanguardia y las primeras manifestaciones de la Performance. Artistas como Maya Deren, Jackson Pollock, John Cage y Samuel Beckett son figuras centrales de esta etapa.

Posteriormente, entre $1960$ y $1973$, la sociedad experimentó el auge de la contracultura, las protestas estudiantiles y el feminismo de segunda ola. Es la era de la Guerra de Vietnam y la explosión del Pop Art, que trajo consigo una crítica férrea al consumo y a las instituciones artísticas. Los movimientos predominantes incluyen el Minimalismo, el Arte Conceptual, la Performance, la Danza Posmoderna y el Cine Estructural. Artistas fundamentales como Andy Warhol, Robert Rauschenberg, Donald Judd, Yvonne Rainer, Allan Kaprow, VALIE EXPORT y Trisha Brown definieron la estética de esta década.

Evolución Histórica: De la Crisis del Petróleo a la Era Digital

El arco temporal de $1973$ a $1991$ se caracteriza por la crisis económica del petróleo, la consolidación del movimiento feminista y una crítica profunda al sistema capitalista. Durante estos años se observa un desarrollo masivo del videoarte y del arte político frente al final de la Guerra Fría. Los movimientos clave son el Arte Feminista, la Crítica Institucional, el Body Art y la Performance política, con figuras destacadas como Martha Rosler, Gordon Matta-Clark y Mladen Stilinović.

Desde $1991$ hasta la actualidad, el mundo ha entrado en la era de la globalización y la cultura digital impulsada por Internet. El mercado laboral artístico ha sufrido crisis recurrentes, llevando a los artistas a cuestionar la identidad, el lenguaje y la participación. Ha habido una expansión del arte contemporáneo relacional, la crítica institucional continuada y la performance contemporánea. Artistas como Andrea Fraser, Dora García, Itziar Okariz, Jérôme Bel, Ricardo Basbaum y Erlea Maneros Zabala centran su trabajo en la interacción con el espectador y la representación de la historia visual.

Primer Bloque ($1945 - 1960$): Experimentación y Acción

Maya Deren es una figura capital en el cine experimental y el surrealismo de vanguardia. En su obra "A Study in Choreography for Camera" ($1945$), rechaza los cánones clásicos de Hollywood para explorar el cuerpo como una coreografía visual pura. La obra destaca por un montaje que crea espacios imposibles: un bailarín se mueve entre distintos escenarios mediante cortes invisibles, manteniendo un movimiento continuo a pesar del cambio físico de lugar. La idea es que el cine no debe copiar la realidad, sino ser una experiencia poética que vincula la danza y la cámara. Por otro lado, en "Meditation on Violence" ($1949$), Deren introduce la influencia de las artes marciales orientales, utilizando el movimiento corporal como lenguaje para unir los conceptos de violencia y armonía a través de un montaje transformador.

Jackson Pollock representa el Expresionismo Abstracto a través de la "Action Painting". En su obra "Number 1, 1950 (Lavender Mist)", Pollock traslada el lienzo al suelo y utiliza la técnica del goteo o salpicadura, eliminando cualquier rastro de composición tradicional. Aquí, pintar es una acción física donde el gesto y la expresión del inconsciente son primordiales. El proceso es tan relevante como el resultado final, convirtiendo al artista en una suerte de performer antes de que el género existiera formalmente.

John Cage, en la música experimental de la Neo-vanguardia, propone en "Water Walk" ($1960$) la ruptura entre el arte y la vida cotidiana. Su tesis es que cualquier sonido puede ser música, utilizando objetos comunes como radios, una bañera o tazas para generar sonidos mediante el azar. Al comparar a Pollock con Cage, observamos que ambos convierten el proceso en arte y rompen normas tradicionales; mientras Pollock trabaja sobre lo visual y matérico, Cage lo hace sobre lo auditivo, pero ambos valoran la improvisación sobre el control.

Samuel Beckett, dentro del teatro experimental y el minimalismo, presenta en "Quad I + II" ($1981$) una reflexión existencialista sobre la repetición y la rutina absurda. Los personajes caminan siguiendo patrones geométricos repetitivos, lo que vincula su obra con la estética de Cage por la importancia del ritmo, la repetición y la reducción de la narrativa tradicional a su mínima expresión.

Segundo Bloque ($1960 - 1973$): Estructura, Pop y Minimalismo

El cine estructural de Michael Snow con "Wavelength" ($1967$) busca concienciar al espectador sobre el aparato cinematográfico mediante un zoom extremadamente lento de $45$ minutos dentro de un apartamento, convirtiendo el tiempo en la materia prima. En contraposición, Chantal Akerman en "La Chambre" ($1972$) utiliza una cámara que gira lentamente para analizar el espacio doméstico y el tiempo cotidiano desde una mirada femenina. Mientras Snow analiza el lenguaje técnico del cine, Akerman añade una dimensión íntima y política, explorada también en "News From Home" ($1976$), donde la soledad urbana de Nueva York se mezcla con cartas maternas.

Martha Rosler, en "Semiotics of the Kitchen" ($1975$), realiza una crítica feminista satírica a los roles domésticos mostrando utensilios de cocina de forma agresiva. Comparada con Akerman, Rosler es confrontacional y paródica, mientras que Akerman tiende a lo melancólico. Helke Sander también se inscribe en esta línea feminista política con "From the Reports of Security Guards & Patrol Services No.1" ($1985$), enfocándose en la vigilancia y la experiencia urbana femenina.

En el ámbito de la pintura y el concepto, Robert Rauschenberg con su obra "Erased de Kooning Drawing" ($1953$) cuestiona la autoría y el genio artístico al presentar el acto de borrar un dibujo ajeno como una creación destructiva. Jasper Johns, con "Flag" ($1954$), utiliza un objeto cotidiano y cargado de simbolismo para difuminar la frontera entre el símbolo y la pintura. Ambos son precursores del Pop Art, movimiento que Richard Hamilton definió en el Reino Unido con su collage de $1956$ "Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing?", el cual critica el consumismo masivo. Andy Warhol llevó esto al extremo mecánico con su serie "Marilyn" ($1962$), donde la celebridad se convierte en un producto repetido en serigrafía, y con sus "Screen Tests" ($1964 - 1966$), que exploran la pasividad y el tiempo real.

Minimalismo y el Cuerpo en Performance

Donald Judd estableció las bases del Minimalismo con obras como "Untitled (Stack)" ($1967$), consistentes en cajas metálicas industriales que rechazan cualquier expresión emocional para buscar autonomía formal. Charlotte Posenenske, con su "Square Pipes Series" ($1967$), utiliza una geometría industrial similar pero introduce una dimensión social y participativa, permitiendo que el espectador o el mercado manipulen la disposición de las piezas.

Yvonne Rainer revolucionó la danza posmoderna en piezas como "We Shall Run" ($1963$) y "Hand Movie" ($1966$), rechazando el virtuosismo técnico en favor del movimiento cotidiano y la democratización del cuerpo. Robert Morris conecta el minimalismo con la performance en "Column / Box for Standing" ($1961$), donde objetos geométricos son activados por la presencia física. En contraste extremo está Gustav Metzger con su "Auto-destructive art", quien en piezas como "Painting with Hydrochloric Acid on Nylon" utiliza la destrucción mediante ácido como una crítica política al miedo nuclear y al desarrollo tecnológico.

La performance adquiere un matiz de vulnerabilidad con Yoko Ono en "Cut Piece" ($1965$), donde el público es invitado a cortar su ropa, evidenciando la violencia sobre el cuerpo femenino. VALIE EXPORT es más confrontacional en obras como "TAP and TOUCH CINEMA", donde utiliza su cuerpo de manera política para cuestionar la objetualización de la mujer. Ambas artistas usan la participación del espectador para desmantelar estructuras patriarcales.

Tercer y Cuarto Bloque: De la Crítica Institucional a lo Relacional

Gordon Matta-Clark, a través de la "Anarchitecture", realizó intervenciones drásticas como "Splitting" ($1974$), donde cortó una casa por la mitad para criticar la arquitectura moderna y la obsolescencia urbana. Por su parte, Mladen Stilinović trabajó el arte conceptual político en la Europa socialista; en "Artist at Work" ($1978$) se muestra durmiendo para ironizar sobre la productividad capitalista. Su obra posterior, "An Artist Who Cannot Speak English Is No Artist", es una crítica mordaz a la hegemonía cultural anglosajona en el arte globalizado.

Ricardo Basbaum expande el arte relacional con proyectos como "Would you like to participate in an artistic experience?", donde la obra es la experiencia social compartida. En la escena contemporánea vasca, Itziar Okariz desafía las normas sociales en espacios públicos con acciones como "Pixa", mientras que Jérôme Bel utiliza la danza conceptual para rechazar el espectáculo tradicional en obras como "Shirtology", cargadas de humor y cultura pop.

Andrea Fraser es un referente de la crítica institucional, como se ve en "Little Frank and His Carp" ($2001$), donde realiza una performance en el museo Guggenheim Bilbao para denunciar la sexualización y comercialización del espacio museístico. Dora García interactúa con la narración y el lenguaje en "Instant Narrative", donde el comportamiento del público se convierte en texto en tiempo real. Finalmente, artistas como Jon Mikel Euba, Gema Intxausti, Erlea Maneros Zabala y Amaia Urra continúan explorando la memoria, el archivo y la identidad a través de la instalación y el videoarte, manteniendo siempre al espectador como un elemento activo de la obra.

Guía Temática y Comparativa para el Examen

Existen temas transversales que el estudiante debe identificar a lo largo de todo el temario. El cuerpo evoluciona de ser un objeto idealizado a ser una herramienta política, cotidiana y vulnerable (Deren, Rainer, Ono, EXPORT, Okariz, Bel). La participación del espectador se vuelve esencial; el público deja de ser un observador pasivo para ser parte de la obra (Kaprow, Ono, Basbaum, García). Se mantiene una constante crítica al arte tradicional y al objeto artístico (Rauschenberg, Baldessari, Judd, Posenenske).

Para realizar comparaciones efectivas en el examen, se recomienda seguir tres pasos: primero, buscar semejanzas temáticas (¿Ambas hablan del cuerpo o de la sociedad?); segundo, identificar diferencias de tono o técnica (¿Es una obra satírica como la de Rosler o melancólica como la de Akerman?); y tercero, situar correctamente el contexto histórico (¿Pertenece al periodo de la Guerra Fría o a la era de la Globalización?).

Los autores imprescindibles que resumen la mayoría de estos temas son Pollock, Cage, Warhol, Rosler, Ono, VALIE EXPORT, Judd, Kaprow, Akerman y Fraser. Una conclusión general del temario dictamina que, desde $1945$, el arte ha dejado de centrarse en la belleza para enfocarse en la intención conceptual, utilizando cualquier medio posible para cuestionar la política, el género, el consumo y la propia institución del arte.